Qu'est-ce que l'art moderne ?

Le monochrome - le carré blanc sur fond blanc - est un objet ambiguReprésentation d'une absence de représentation, il est l'invisible rendu visible et semble donner accès à la quintessence de la vérité picturale: une icôneMélancolique, il fait apparaître la dérision d'une peinture malade et à bout de souffle: les humoristes rient de ces tableaux qui représentent des jeunes filles chlorotiques sur fond de neige... Entre l'absolu et le nihilisme, le genre déploie ses immenses et paradoxales possibilités: couleurs, tailles, matières font la richesse du monochromeLe livre de Denys Riout entreprend la cartographie de ce territoire en procédant non pas chronologiquement mais logiquement, en remontant d'Yves Klein jusqu'aux précurseurs ironiques du XIXe siècleLe leçon de la recherche est que les tableaux sont des objets conceptuels et sensibles datés. L'image n'est pas l'autre du discours mais un mode d'existence du savoir. La visibilité pure relève du mythe. L'?uvre est toujours un objet discursif intégré au monde de l'art et à ses catégories.Yves Michau

En avril 1958, Yves Klein, célèbre pour ses monochromes de couleur bleue, présente une exposition où ni peinture, ni sculpture, ni objet ne sont visibles. L'événement, bientôt connu sous le nom de "l'exposition du vide" , marque une étape décisive dans l'histoire de l'art. Le titre, qui n'était pas une suggestion de l'artiste, rendit le projet plus ou moins incompréhensible. Klein avait cependant expliqué ses intentions à plusieurs reprises. Grâce à sa "dématérialisation de la peinture" , il espérait créer "une ambiance, un climat pictural invisible, mais présent" capable d'exprimer - à travers son rayonnement - l'essence même de la peinture : la "sensibilité picturale immatérielle" . Peu après, Yves le Monochrome organisa des transferts "rituels" des "zones de sensibilité picturale immatérielle" en échange d'espèces sonnantes et trébuchantes. De sa première tentative de présentation de la "sensibilité picturale immatérielle" en 1957 à sa mort - à l'âge de 34 ans - en 1962, Klein n'a jamais cessé d'affiner et d'approfondir son projet. En parallèle, il pensait utiliser les corps des femmes comme des "pinceaux vivants" . En laissant l'empreinte de leurs corps sur des supports prévus à cet effet, elles produisaient des tableaux parfaitement visibles, les "anthropométries" . Loin d'être contradictoires, ces deux aspirations de l'oeuvre de Klein sont fondées sur une association qui est au coeur du mystère chrétien, l'Incarnation. C'est tout du moins l'intuition développée dans cet essai qui tente de localiser, au-delà de la disparité des créations, la profonde unité des préoccupations de l'artiste. In April 1958, Yves Klein, known for his monochromes and fondness for the colour blue, presented an exhibition in which no painting, sculpture or object was visible. The event, which was soon known as the "exhibition of the void, " marked a milestone. The title, which was not the artist's suggestion, rendered his project more or less incomprehensible. Klein had, however, explained his intentions on several occasions. Thanks to this "immaterialisation of the painting, " he hoped to create "an ambience, a pictorial climate that is invisible but present" capable of expressing-through its radiance-the very essence of painting : the "immaterial pictorial sensibility. " Shortly afterwards, Yves le Monochrome organised "ritual" transfers of "zones of immaterial pictorial sensibility" in exchange for large sums of money. From his first attempt at presenting the "immaterial pictorial sensibility" in 1957 to his death, aged thirty-four, in 1962, Klein never ceased going deeper into and refining his project. In parallel, he thought of using the bodies of young women as "living paintbrushes. " Leaving the impression of their bodies on supports provided for that purpose, they produced perfectly visible paintings, the "Anthropometries. " Far from being contradictory aspirations, these two modes of existence of Klein's oeuvre are based on an association that is at the heart of the fundamental Christian mystery, the Incarnation. That at least is the intuition developed in this essay, which attempts to locate, beyond the disparity of the creations, the profound unity of the artist's preoccupations.

Yves Klein (1928-1962), judoka, peintre et sculpteur, membre fondateur avec Pierre Restany du courant artistique " Nouveau Réalisme ", a marqué l'histoire de l'art au 20e siècle. Ce livre, présenté par Denys Riout, auteur de plusieurs ouvrages sur Yves Klein et sur la peinture monochrome, réunit deux textes proches et complémentaires: " Le Dépassement de la problématique de l'art " et la " Conférence à la Sorbonne ". Essentiels pour comprendre la démarche d'Yves Klein, ces textes sont accompagnés d'un disque contenant un document extrêmement rare: l'enregistrement restauré de la conférence tenue par l'artiste en 1959 à la Sorbonne. C'est une occasion unique d'entendre la voix et le timbre si particuliers d'Yves Klein. "Invité à exposer avec un groupe d'artistes composé de Bury, Tinguely, Roth, Breer, Mock Munari, Spoerri, Piene, Soto, je me rends à Anvers et, ou moment du vernissage, à l'emplacement qui mëtoit réservé dans la salle d'exposition d'Hessenhuis, au lieu d'y placer un tableau ou un objet tangible et visible quelconque, je prononce d'une voix forte devant le public ces paroles empruntées à Gaston Bachelard: "bâbord, il n'y a rien, ensuite il y a un rien profond, puis une profondeur bleue." L'organisateur belge de cette exposition me demande alors où se trouve mon œuvre. Je réponds: "Là, là où je parle en ce moment. Et quel en est le prix, de cette œuvre? Un kilo d'or, un lingot d'or pur d'un kilo me suffira"". La Conférence à la Sorbonne

Résumé : L'invisibilité des "oeuvres invisibles" n'est nullement due à des circonstances malheureuses, perte ou destruction. Elles ont été pensées comme telles par des artistes qui ont sciemment décidé de les offrir aux amateurs sans les leur donner à voir, ou fort peu. La plupart ont une existence matérielle avérée. Certaines négligent la vue et mobilisent l'ouïe, l'odorat, le goût, le toucher. Quant aux oeuvres qui pourraient être visibles si l'artiste n'en avait pas décidé autrement, elles sont cachées ou occultées afin que nous ne puissions les regarder. L'effacement du primat de la vue opère un bouleversement profond dans notre rapport aux "arts visuels" . Pour la première fois, ces oeuvres sont étudiées dans une perspective globale.