L'acteur et ses doubles

Durant tout le XXe siècle, le masque a suscité des engouements, des espoirs, des rêves. Il a été la source d'utopies théâtrales fécondes qui ont finalement participé au renouvellement du théâtre. II a servi de tremplin à partir duquel diverses voies, parfois contradictoires, ont été explorées. De l'abstraction au grotesque, du sacré à l'épique, les esthétiques théâtrales du XXe siècle, dans leur besoin de se dégager du naturalisme ont trouvé dans le masque des éléments de réponse pour proposer une forme cohérente et puissante à l'expression scénique. Guy Freixe, plutôt que de parler du masque en général, est parti de l'idée qu'il valait mieux parler des masques. Quitter ainsi le masque-concept pour regarder de plus près le masque-objet, tel qu'il fut réalisé et utilisé à la scène. L'ouvrage est abondamment illustré. Il propose des points de vue inattendus et répond à de nombreuses questions. Notamment, il analyse les circonstances qui ont malgré tout maintenu le masque en marge de l'expérience théâtrale commune, en rapport toujours décalé avec la culture du texte dramatique.

L'ouvrage Le Théâtre et l'Esprit du temps permet d'examiner le théâtre dans son rapport avec ce qui surgit dans le présent et le bouleverse. Le livre dissocie les différentes positions à l'égard du "? nouveau ? " et de son insertion sur la scène contemporaine. Georges Banu sépare ici les découvreurs de "? l'esprit du temps ? " les lanceurs, les suiveurs et les épigones. Il s'agit d'un processus qui naît de l'émergence et de ses conséquences, jusqu'à l'érosion et l'épuisement de cette radicalité propre à "? l'esprit du temps ? " notamment lorsque de grands artistes le mettent à jour. A cela s'ajoutent les réflexions sur "? le grand format et son incidence au niveau de la création et de la perception des spectacles longue durée ? " , de même que l'examen de l'ouverture du théâtre vers d'autres arts, le roman ou encore le cinéma. Le livre analyse également des motifs récurrents de la mise en scène tels que "? le monde comme hôpital ? " ou "? le croisement des durées ? ", avec tout ce que cela entraîne et les solutions inédites qui permettent d'enrichir le champ visuel de la scène contemporaine.

Des premières Dionysies sous l'acropole d'Athènes (Ve siécle av. J.-C.) aux représentations jusque dans les confins de l'empire gréco-romain (IVe siècle ap. J.-C.), l'acteur n'a joué que masqué. Or, les études sur le théâtre antique examinent principalement les textes dramatiques et ce faisant négligent encore trop souvent l'appareillage scénique, pourtant capital à cette théâtralité où la parole ne faisait qu'un avec la musique, le chant et la danse. Parmi les éléments du langage scénique, bien plus que le costume, les accessoires ou le décor, le masque, d'ordinaire délaissé, occupe la première place. Il était grand temps de réévaluer la période que constitue l'Antiquité classique dans l'histoire des arts du spectacle à partir d'un objet aussi essentiel au jeu de l'acteur. De manière totalement inédite, les grands genres du théâtre gréco-romain (tragédie, comédie, drame satyrique, pantomime, atellane, palliata) sont abordés à partir du masque lui-même. Les trois premiers chapitres de l'ouvrage retracent les origines et les significations du masque antique jusqu'à ses évolutions au cours de voyages dans l'espace comme dans le temps, le quatrième est consacré aux transferts et répercussions de ces masques aux XXe et XXIe siècles, le cinquième à des ateliers d'expérimentation scénique. Présenter le masque antique dans sa réalité scénique, ses fonctions et usages, ses évolutions, sa typologie, voila l'ambition du présent ouvrage qui croise les études de chercheurs et d'artistes A travers une approche qui se veut interdisciplinaire et internationale.

La scène contemporaine est friande d'interactions venant renouveler son langage. Cet ouvrage interroge les multiples pratiques scéniques qui mettent en jeu théâtre et musique, dans leur complémentarité ou leur affrontement dynamique. Ces interactions sont envisagées ici d'un point de vue diachronique - le recours à l'histoire montre en effet que ces pratiques sont extrêmement fluctuantes et souvent tributaires d'un contexte social - et sous l'angle du travail spécifique à l'auteur, au metteur en scène et à l'acteur-interprète. Il ressort de ces études que la musique en intégrant la scène, et en prenant le risque de se frotter à son "impureté" - car les corps en scène "émettent" aussi leur musique - se trouve enrichie et dynamisée par ces expériences où voir et entendre tissent des liens féconds.