Temps maçonnique VS temps profane

Une "journée", le mot désigne la surface d'enduit frais qu'un fresquiste prépare pour sa journée de travail. Ses dimensions varient selon la saison, la difficulté du motif à peindre, la commodité de l'endroit, les courants d'air... Ce livre est un récit. Plus qu'un essai ou un journal d'atelier, il raconte finalement moins comment l'artiste peint que ce que l'expérience de la peinture fait au peintre. Un livre plein d'images mais sans reproductions, sur l'histoire millénaire, commune et singulière du couple romanesque que forment le peintre et la peinture. Qu'on le prenne comme une invitation à peindre, un enseignement, un roman...

Résumé : Lors des nombreux débats sur l'art contemporain, on a souvent invoqué la figure de l'artiste - sans jamais la questionner. Muets, prétendait-on, les artistes travaillaient dans leurs ateliers... Comme si la figure de l'artiste, sujet exceptionnel et sensible, professionnel de la création, idole romantique allait toujours d'elle-même au milieu de toutes les remises en cause. Au fil d'entretiens publiés par le Journal des expositions, Camille Saint-Jacques, lui-même artiste, a entrepris de questionner le statut de l'artiste contemporain. Il s'est adressé pour cela à des philosophes et des sociologues (Jean-Luc Nancy, Jean-Marie Schaeffer, François Flahault, François Jullien, Emmanuel Pernoud, Nathalie Heinich, Tzvetan Todorov), plus proches de l'anthropologie que de l'histoire de l'art. Le résultat est un élargissement des perspectives sur l'art, sa ou ses valeurs dans les sociétés actuelles et la vision de ce qu'est un artiste "contemporain".

Pourquoi les femmes se maquillent ? L'auteur tente une réponse qui ne soit pas dépréciatrice et découvre, en explorant l'histoire du maquillage et sa perception à travers les âges et les auteurs, d'Ovide à Baudelaire, que le maquillage n'est pas un geste anodin ni factice. En réalité, c'est une vision féminine du monde et du rapport au cosmos que le maquillage illustre.

Sans qu'on y prête attention la notion de chef-d'oeuvre est sortie du vocabulaire de l'art contemporain. On ne parle plus de chef-d'oeuvre que pour l'art du passé, et encore. Pris séparément, les mots qui composent l'expression sont eux-mêmes démodés. A l'heure du management libéral, "Chef" et "oeuvre" sonnent trop "vieux monde" , on ne trouve plus de chefs que dans quelques niches : les gares, les cuisines, les orchestres symphoniques... ! Les artistes pensent davantage leur production comme un continuum au sein duquel les pièces découlent les unes des autres et pour lequel c'est la cohérence de l'ensemble qui fait sens. A l'heure des réseaux sociaux et de l'interactivité sans fin, il y a dans "chef" et dans "oeuvre" quelque chose de bourgeois et de vaniteux qui date. Les historiens eux-mêmes n'utilisent plus guère le mot, même pour les oeuvres anciennes préférant laisser cette forme superlative à la littérature touristique et à l'emphase des marchands. On peut donc se demander de quoi cette disparition est-elle le symptôme, par quoi elle a été comblée et ce qu'est devenu ce mot maintenant qu'il ne joue plus son rôle de référence absolue, s'il a rejoint les poubelles de l'Histoire ou s'il se tient tapi dans des limbes d'où l'on peut s'attendre de le voir surgir à un moment ou à un autre. Le livre se propose de voir ce qu'il en est du chef-d'oeuvre aujourd'hui et si sa disparition est un symptôme permettant de comprendre notre contemporanéité. Deux textes pour deux approches différentes, celle d'un artiste et celle d'un critique. Deux approches qui se reflètent, se complètent, se contredisent... pour que chacun puisse faire le procès critique de cette notion.