L'art italien. Coffret 2 tomes

La communication est omniprésente dans nos vies quotidiennes et pour les entreprises elle fait partie intégrante d'une stratégie de développement réussie. Analyse d'un contexte, découverte de besoins, détermination d'objectifs et de cibles, choix et mise en oeuvre de techniques complémentaires... Cet ouvrage passe en revue selon une chronologie réaliste les différentes étapes d'une communication efficace avec, en fil rouge, l'importance primordiale du retour sur investissement et des moyens d'évaluation des opérations. Il expose notamment très clairement la complémentarité et les spécificités des multiples techniques à maîtriser, y compris les nouvelles technologies et leurs apports. L'ensemble du propos est illustré par les témoignages de nombreux experts, ce qui le destine tant à des étudiants en écoles supérieures ou spécialisées qu'à des jeunes professionnels désireux de progresser et de s'affirmer dans leur poste.

Au XVIIème siècle, le mot grotesque devient un qualificatif essentiellement négatif, synonyme de bizarre, de ridicule ou d'extravagant. Mais il trouve son origine dans le terme employé dès le début du XVIème pour désigner des peintures largement inspirées des fresques et des reliefs antiques, auxquels s'ajoutent parfois des réminiscences des marginalisa gothiques. Ce genre décoratif connaîtra un immense succès tout au long du XVIème siècle, d'abord en Italie puis un peu partout en Europe - les peintures murales, les reliefs sculptés, les gravures et bien d'autres supports vont se prêter de la sorte à une grande variété de compositions dont la prolixité le dispute à la capacité d'invention. Les grotesques ont jusqu'à présent principalement retenu l'attention en raison de leur recours à des motifs et des schémas antiquisants à partir desquels les artistes se seraient abandonnés à leur fantaisie plus ou moins débridée. Cet ouvrage s'attache d'abord à identifier ce qui serait le langage des grotesques à travers l'identification de formes de logique dans ces combinaisons invraisembables, dont on croyait avoir tout dit en y reconnaissant un pur ornement et le produit de l'imagination et des caprices des artistes. Et c'est en confrontant dans un second temps les grotesques à d'autres formes d'expression de la Renaissance que l'auteur a pu décrire le fonctionnement - nullement univoque - de ces peintures et dégager leur spécificité historique et leur réelle densité culturelle. Le rapport à la tradition hiéroglyphique, au collectionnisme éclectique et à l'esthétique de l'abondance, la littérature burlesque la logique épistémique des hybrides ou la construction rhétorique et paradoxale de figures qui semblaient échapper à toute forme de cohérence, apparaissent comme autant de matrices qui déterminent la production des grotesques et en assurent la variété, surtout pendant la senconde moitié du XVIème siècle lorsque la référence à l'antique tend à céder le pas. Le langage des grotesques apparaît de la sorte comme une expression tout à fait emblématique de la culture maniériste et c'est à ce titre qu'elles deviennent la cible privilégiée des critiques post-tridentines ?

La figure de Bacchus ou de Dionysos incarne et résume un faisceau d'idées, d'évolutions et d'aspirations caractéristiques de la Renaissance, période au cours de laquelle on a cherché à renouer plus étroitement avec l'héritage antique et certaines de ses valeurs, à relativiser ou à redimensionner la place du christianisme pour des registres existentiels qu'il avait souvent disqualifiés, et à explorer les parentés multiples qui faisaient s'entrecroiser des composantes culturelles païennes et chrétiennes. Bacchus n'est pas que le dieu de l'ivresse, compagnon de tous les plaisirs, notamment de la danse et de l'amour ; il préside à la fertilité sous toutes ses formes : agricole et humaine, mais aussi littéraire ou artistique. Il est la source ou le symbole d'une inspiration qui sert régulièrement de miroir aux peintres et se fait parfois principe de contemplation philosophique et métaphysique. Divers artistes parmi les plus célèbres de la période, tels Bellini, Titien, Michel-Ange, Raphaël, Caravage, Rubens, ont exploré ces potentialités à travers des oeuvres majeures d'où ressortent les fonctions multiples et souvent paradoxales, propres à la sphère dionysiaque. Elles relèvent en effet aussi bien de l'excès que de la tempérance, du burlesque que du philosophique, du populaire que de l'aristocratique, de la trivialité que de l'élévation, de la vie que de la mort. Ainsi, l'antique divinité chtonienne s'est transformée en vecteur et incarnation du salut, et ce rapport à l'au-delà, un artiste comme Donatello va savoir génialement le renouveler dans une perspective chrétienne. Au-delà d'une redécouverte élargie et d'une réinterprétation variée de la culture antique, la Renaissance a ainsi travaillé à une fusion de ces traditions apparemment contradictoires, comme à une remise à jour de ce qu'il y a de profondément païen dans le christianisme, à un retour du refoulé dionysiaque tel qu'il ressort des thèmes iconographiques du pressoir mystique ou du Christ-vigne.