La vie en Kodak. Colorama publicitaire des années 1950 à 1970

Résumé : Pour le grand public, Andy Summers est le génial guitariste et compositeur du groupe mythique The Police, l'un des plus connus au monde. Parallèlement à son activité musicale, Summers a cependant construit une oeuvre photographique unique, contrepartie mentale et visuelle de sa musique, marquée par une recherche mélodique complexe, des harmonies aux couleurs plutôt mélancoliques, voire convulsives. Les sujets photographiques qu'il privilégie ? activités des métropoles américaines ou japonaises, rues fascinantes des cités sud-américaines... ? appartiennent principalement à cette frange du surréalisme urbain, si chère aux écrivains français André Breton et Louis Aragon, qui en ont exploré l'étrangeté fructueuse. Le style photographique d'Andy Summers touche à cette "inquiétante étrangeté" dont parle Sigmund Freud, sentiment d'anxiété face à un domaine familier semblant soudain masquer un secret générateur d'angoisse. Summers apparaît comme un guetteur nostalgique, désireux de soustraire les derniers éclats poétiques ou les secrets insolites d'un monde encore diversifié, enregistré avant sa liquidation finale engagée par la globalisation.

Présentation de l'éditeur Catalogue officiel de l'exposition "Aaron Siskind L’autre réalité photographique " au Pavillon Populaire de Montpellier du 28 novembre 2014 au 23 février 2015. Aaron Siskind (1903-1991), enseignant, journaliste, photographe, n’a pas eu la chance de ses pairs photographes américains : l’influence de son œuvre n’est pas à la hauteur des très rares ouvrages qui lui sont consacrés. Il était urgent de publier une monographie qui soit autre chose qu’un beau livre illustré. L’originalité de cet artiste, sans précédent dans la photographie américaine, a pu créer un contresens sur son œuvre, tendue entre l’influence de Walker Evans et celle de l’européen Moholy Nagy. Celle-ci, commencée dans les années 1930 sous le signe d’un réalisme documentaire des plus rigoureux prend, à partir des années 1950, sous l’influence et la fréquentation des peintres de l’Expressionnisme abstrait, une allure résolument abstraite, expérimentale, au formalisme symbolique difficile, exigeant. On a eu du mal à expliquer un passage aussi radical d’une esthétique à une autre. L’ouvrage qui est ici proposé par Gilles Mora tente, de façon exhaustive, d’expliciter ce passage, plus dans le sens d’une transition et d’une continuité prévisibles, que d’une coupure inexplicable. Il resitue dans le contexte des années 30 et de la Grande Dépression, le travail d’élucidation mené par Siskind – en particulier dans le cadre de la très politique Photo League- autour des usages de l’image documentaire, marquée, dès ses débuts, par un souci de maîtrise de la mise en forme, plus que par celui de l’anecdote. Puis, s’appuyant sur des projets intermédiaires, qui, à partir des années 40, rendent compte de son attraction pour la photographie vernaculaire et d’architecture, il décrit le trajet de Siskind, enseignant au New Bauhaus de Chicago (Institute of Design), puis à la Rhode Island School of Design, ami de De Kooning ou de Franz Kline, vers une photographie dont l’abstraction maîtrisée s’ancre, en définitive, dans un réalisme photographique jamais repoussé, mais utilisé de façon photographiquement différente. Siskind n’apparaît nullement par un photographe tenté par la peinture, mais passionné par la confrontation des deux mediums, sans jamais renier le sien, qu’il pousse vers de nouvelles voies. Ses voyages dans le monde entier sont alors le prétexte à un relevé de signes ou de configurations graphiques empruntant aussi bien au formalisme symbolique de Weston, qu’au surréalisme subtil de Frederick Sommer, et se rapprochant de l’ « Objektive fotografie » européenne. Monographie officielle réalisée à partir des archives d’Aaron Siskind, déposées au Center for Creative Photography de Tucson, avec l’appui de la Fondation Aaron Siskind de New York.

William Gedney (1932-1989) est sans doute le photographe le plus mystérieux de la génération américaine parvenue à maturité entre les années 1960 et 1980. Nul doute que son absence volontaire d'autopromotion et sa discrétion expliquent cette situation, mais également l'incompréhension tenace dont a fait preuve à son égard le directeur du département de la Photographie du MoMA, à cette époque le très influent John Szarkowski. Gedney n'eut droit, de son vivant, qu'à quelques rares expositions dans ce musée prestigieux, et jamais seul...Autodidacte, persuadé que la photographie constituait un moyen d'expression aussi efficace que la littérature (il accompagne d'ailleurs son oeuvre de multiples écrits, journaux, critiques, aphorismes, etc.), Gedney est un magnifique photographe de rue, aussi bien porté vers les sujets ruraux ? son travail sur le Kentucky, à la fin des années 1950 est exemplaire ? qu'urbains : New York, où il vit le plus souvent, lui offre un champ d'action unique, comme à beaucoup de photographes de sa génération. Tenté par la photographie de nuit (bien avant Robert Adams), attaché à la sensualité diffuse qu'il trouve dans ses sujets adolescents, Gedney se construit un style à mille lieux de tout effet spectaculaire ? souvent marqué par son rapport intime au monde ?, et que dirige de plus en plus son homosexualité cachée, qui ne se révèlera qu'à sa mort : il fut l'une des premières victimes du sida. Ses reportages sur les parades gays dans les années 1980 constituent, avec sa documentation sur les mouvements hippies de San Francisco à la fin des années 1960, la partie la plus riche de son oeuvre. Ses archives complètes ont été déposées à l'université de Duke (Caroline du Nord) par Lee et Maria Friedlander, ses plus proches amis. Ce catalogue, qui accompagne la toute première rétrospective jamais consacrée à William Gedney, révèle la beauté indéniable d'une oeuvre jusqu'ici très secrète.

Cet ouvrage propose la première monographie française consacrée au photographe Paul Wolff (1887-1951). Il permet de découvrir l'oeuvre multiforme d'un des photographes allemands les plus connus de la période de l'entre-deux-guerres, mais très rarement montré. Plutôt qu'un artiste au sens conventionnel du terme, Paul Wolff est le fondateur, avec son associé Alfred Tritschler, d'une agence photographique qui fournira une vaste documentation sur l'Allemagne de la république de Weimar jusqu'aux années nationales-socialistes, et après-guerre (près de 700 000 photographies). L'ouvrage donne ainsi à voir un corpus riche, marqué par la popularisation, grâce à Wolff, du petit format Leica dont, à partir de 1926, il devient l'ardent protagoniste. Les photographies de Wolff ont eu une large couverture médiatique, elles figurent dans plus de 300 publications, et sont reprises dans les journaux du monde entier. Elles touchent au domaine du sport (en particulier autour des Jeux olympiques de 1936), du travail, des loisirs, de la photographie industrielle, publicitaire, urbaine, ou de voyages. Aucun sujet n'échappe à Paul Wolff. Plus de 120 photographies d'époque provenant des plus grands collectionneurs privés sont présentées, mises en perspective avec leurs nombreux supports de publication (livres, affiches, publicités). On trouvera ainsi questionné le rôle historique, sociologique et historique de la photographie dite " grand public " , dans une période aussi troublée que celle de l'Allemagne de l'entre-deux-guerres. Même si Wolff n'a jamais appartenu formellement au national-socialisme, son oeuvre en reflète pourtant parfois les partis pris idéologiques, ce qui est analysé et mis en contexte dans l'ouvrage. L'immense popularité internationale de Paul Wolff - son livre, Mon aventure avec le Leica (1934) sera publié en plusieurs langues, et vendu à des dizaines de milliers d'exemplaires - en fait un photographe omniprésent, cependant trop souvent négligé par les histoires de la photographie traditionnelle, ce à quoi cet ouvrage remédie enfin.