Lectures de Love's Labou's Lost de William Shakespeare. Edition bilingue français-anglais

Finished, it's finished, nearly finished, it must be nearly finished. " Cette phrase d'ouverture d'Endgame illustre bien tout le paradoxe de la pièce, et du théâtre beckettien en général Simulacre de fin, prétexte à une parole qui s'enchevêtre dans sa propre élaboration, spectacle réglé au millimètre par des didascalies aussi envahissantes qu'improbables, l'univers de l'ensemble de Fin de partie est celui d'un monde où plus aucune illusion n'est possible, plus aucune parole n'est plausible. L'expérience du plateau et les enjeux de mise en scène portés par le texte constituent le premier repère central dans le parcours que la pièce impose ses lecteurs, ses spectateurs et ses critiques. La manière dont Fin de partie devint Endgame, dans une traduction assurée par Beckett lui-même, et les choix imposés à la fois par les spécificités des deux langues et par les visées d'un texte de nature avant tout théâtrale constituent le second versant d'étude et d'analyse privilégié par le présent ouvrage, qui mêle donc les analyses universitaires de spécialistes de Beckett et de sa mise en scène, les témoignages et commentaires des metteurs en scène européens et américains et les études des processus d'auto-traduction dans le passage du français à l'anglais, avec l'émergence de référents spécifiquement anglophones, afin de permettre aux étudiants de l'agrégation d'anglais d'aborder la pièce dans toute sa richesse.

Pièce hybride, à mi-chemin entre tragédie de la jalousie et comédie sur la vertu du repentir et le triomphe de l'amour, The Winter's Tale est aussi, comme les autres oeuvres tardives de Shakespeare, une réflexion sur les pouvoirs démiurgiques de l'art et sur l'acceptation par le spectateur des artifices qui rendent l'illusion possible. Cette dimension métafictionnelle et métathéâtrale est manifeste dès le titre, qu'il faudrait, pour rendre la richesse des acceptions de la tradition narrative à laquelle il fait allusion, traduire sans doute tout autant par " conte à dormir debout " que par " conte d'hiver ". Univers païen et univers chrétien, tragédie et comédie, récit et spectacle dramatique, vraisemblance et merveilleux, art et nature, illusion et réalité, vie et mort : les éléments qui se côtoient dans la pièce ne cherchent pas à dissimuler leur nature antithétique, bien au contraire. C'est précisément sur cette présence simultanée de deux principes opposés que repose le mécanisme dramaturgique dont Shakespeare souligne les rouages. Tout comme dans la tradition narrative à laquelle le titre fait référence, ce qui compte, dès lors, n'est pas tant le récit lui-même que l'effet qu'il produit sur le spectateur et le statut que ce dernier lui accorde. Autant de perspectives dont traitent les articles rassemblés dans le présent ouvrage, rédigés par des universitaires américains et français spécialistes du théâtre de Shakespeare. À ces éclairages critiques s'ajoutent les témoignages de Greg Hicks et David Farr, respectivement acteur principal et metteur en scène de la dernière production en date de la pièce par la Royal Shakespeare Company (2010).

Dans la perspective historicisante, c'est ce qui dans le texte demeure quelque peu étranger à son lecteur qui constitue sa plus grande richesse. Ce que le texte de théâtre shakespearien dit du genre s'inscrit pleinement dans cette perspective pour un critique contemporain, et la prise en compte des conditions matérielles de la représentation théâtrale, au premier rang desquelles figure l'exclusion des femmes du plateau, ne saurait à elle seule permettre d'en restituer toute la richesse. Le discours sur le genre que constituent les personnages, leurs mises en situation, leurs répliques et leur dimension évolutive s'articule en effet à un certain nombre de définitions identitaires sexuées dans l'Angleterre élisabéthaine et jacobéenne, attestées par d'autres sources primaires, et codifiées pour les besoins du support théâtral, c'est-à-dire rendues visibles et lisibles pour les spectateurs. Une double logique guide donc ces mises en scène de l'identité sexuelle sur le plateau shakespearien : on v décèle d'une part un certain nombre d'éléments socio-culturels aisément reconnaissables pour le spectateur, qui construisent une image dramatique correspondant à la codification historique de l'identité sexuelle à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, et d'autre part. il s'y manifeste un ensemble de références à l'immédiateté du plateau et à l'univers potentiellement indifférencié qu'il constitue, par sa dimension unisexe masculine. Lorsque se constitue un univers dramatique, c'est l'image fidèle à la codification sexuelle qui prédomine, en vertu du principe aristotélicien de mimesis. A contrario, lorsque la théâtralité est affichée, les repères du genre se brouillent, pour en esquisser une nouvelle topographie, où la logique du plateau vient se superposer à l'imitation des codes socio-culturels. Ce sont ces jeux de va-et-vient entre deux systèmes concurrents de définition du genre que le présent volume se propose d'explorer.

Delphine Lemonnier-Texier est agrégée d'anglais et maître de conférences en études shakespeariennes à l'université de Rennes 2/UEB, où elle assure les cours de préparation à l'agrégation d'anglais depuis plusieurs années. Guillaume Winter est professeur agrégé à l'université d'Artois et spécialiste du théâtre anglais de la Renaissance. Il est préparateur au Capes et à l'agrégation depuis plusieurs années.