Daumier et la caricature

S'appuyant sur le roman de Victor Hugo, Notre-Dame de Paris, paru en 1831 et ses différentes versions illustrées, l'auteur fait apparaître dans cet exemple emblématique que la construction, l'écriture et l'illustration du texte procèdent d'un même regard.Dans le chapitre " Ceci tuera cela ", Hugo médite sur le statut de l'imprimé face à l'architecture mais, par son écriture, donne à voir le livre comme une " cathédrale de poche ", où se déploient une suite de tableaux qui s'inspirent du rétable et du vitrail comme des spectacles d'optique populaire. Qu'elle soit peinte ou lithographiée, ou bien restaurée par l'écrivain, le graveur ou l'architecte, la " cathédrale illustrée " contribue à forger le concept de série. Les multiples aspects de l'édifice varient selon un parcours d'approche fondé sur l'esthétique pittoresque du jardin paysager et des itinéraires touristiques ; ils se transforment sous les effets du pinceau de lumière des vignettes de Turner, des photographies de Bisson ou des héliographies de Charles Nègre. Ainsi peut naître un art sériel de la composition littéraire et picturale, fondé sur la répétition et la variation. Ces bouleversements, tout à la fois expérimentaux et quotidiens, techniques et graphiques, vont trouver leur aboutissement dans ce qu'il est convenu d'appeler la révolution de l'art moderne à la fin du siècle. Cet ouvrage est paru à l'occasion de l' exposition Cathédrales."Romantisme, impressionnisme et modernité au musée des Beaux-Arts de Rouen du 12 avril au 31 août 2014.

Les contes de Grimm connaissent dans l'Angleterre du XIXe siècle une fortune considérable dans le champ du livre, passant du statut de simple matériau ethnographique à celui de conte de fées pour enfants. Cette métamorphose est tout autant le fruit d'évolutions textuelles et éditoriales que la conséquence de l'évolution du parti pris esthétique des images qui influencent durablement la manière dont les textes sont "imaginés" par le lecteur. Des figures grotesques et populaires de George Cruikshank (1823, 1826) aux compositions merveilleuses d'Arthur Rackham (1900, 1909, 1917) en passant par les fantaisies naïves de Richard Doyle (1846) ou les ornements allégoriques de Walter Crane (1882), c'est donc une histoire esthétique et iconographique de la réception des contes de Grimm dans l'imaginaire anglais qui se dessine. Au fil de cette enquête sur ce transfert culturel entre Allemagne et Angleterre s'esquisse une histoire de l'illustration et du livre illustré dans l'Angleterre de l'époque. Ce livre montre comment, dans le contexte culturel du romantisme, l'imagination visuelle est confrontée à la tâche de représenter un texte, hors de tout préjugé sur ce que la "matière" des images ferait perdre à celle de l'écrit, ou par-delà cette dernière à celle de la parole du conteur.

Quel poids l'expérience des avant-gardes a-t-elle eu sur le développement de la photographie contemporaine italienne ? Quel rôle les institutions, le marché et la critique d'art ont-ils joué dans son essor ? Ce livre nous fait découvrir une période foisonnante d'échanges qui ont marqué la relation entre art et photographie en Italie. Arte povera, reportage d'art et représentation du patrimoine, anthropologie visuelle, architecture et urbanisme sont les coordonnées culturelles de la scène artistique et photographique italienne entre les années soixante et le début des années quatre-vingt. Le texte interroge la transformation de la notion d'oeuvre et celle de son miroir fidèle, la photographie documentant l'art qui, au fil des années, a vu son statut changé en devenant instrument critique et oeuvre elle-même. En Italie, cette photographie donna lieu à une extraordinaire floraison iconographique, malgré un manque paradoxal de reconnaissance de la part des institutions et des marchands d'images. Cet ouvrage présente le travail de Piero Manzoni, Giulio Paolini et des artistes de l'arte povera (Jannis Kounellis, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Pino Pascali, Emilio Prini) ainsi que les recherches d'Ugo Mulas, Franco Vaccari, Morio Cresci, Cesare Tacchi, Luigi Ghirri, Germano Olivotto, Paolo Monti et bien d'autres, en soulignant les échanges avec la scène pop et conceptuelle américaine. L'analyse porte également sur les contributions des acteurs du milieu artistique : des critiques (Germano Celant, Achille Bonito Oliva, Arturo Carlo Quintavalle, Daniela Palazzoli, Filiberto Menna), un opérateur vidéo (Gerry Schum), des galeristes (Plinio De Martiis et Fabio Sargentini), autant de figures exemplaires d'un panorama complexe qui témoigne d'une nouvelle vision de l'art, de son espace d'exposition et de sa représentation dans les catalogues, les livres et les revues.

Quels nouveaux regards porte-t-on aujourd'hui, en France et à l'étranger, sur la question des rapports entre le texte et l'image ? Quelle unité, quelles différences émergent d'une approche diachronique de la page enluminée du manuscrit médiéval, des illustrations des ouvrages imprimés des temps modernes, enfin des images dont se composent les livres d'artistes contemporains ? Deux équipes universitaires, réunies dans le cadre d'un séminaire organisé par le CNRS, se sont penchées ensemble sur ces questions, en essayant de faire le point sur la place occupée actuellement par l'iconographie dans l'étude plus générale de l'illustration et de ses rapports à l'écrit. Le présent recueil rend compte de travaux et de méthodes différents, tous voués à une meilleure connaissance de l'illustration des savoirs humains dans le domaine de l'histoire, de la religion, de la science, de l'art et de la fable. Les préoccupations de l'enlumineur rejoignent celles des génies de la création, Rubens, Le Brun ou Manet.