L'art contemporain entre les lignes. Textes et sous-textes de médiation

Le discours sur l'art traite généralement d'oeuvres, d'artistes ou de création mais délaisse un aspect essentiel de la relation esthétique: l'exposition. De fait, la question est complexe: comment aborder conjointement des éléments aussi hétérogènes que les relations entre objets, les relations de ces objets à des lieux ou à des publics ou encore les relations internes au monde de l'art qu'ils sous-tendent? Une partie de la difficulté tient aux compréhensions contradictoires impliquées par l'exposition; car exposer c'est à la fois produire une énonciation (un exposé) et découvrir, mettre à nu, mettre en danger. A la fois révéler - en un sens quasi photographique - et dévoiler: dénoncer et donner en exemple - rabaisser et élever. Bien que la question de l'art et de son appréciation ne se réduise évidemment pas à un ensemble de dispositifs de présentation, à des textes d'accompagnement ou de critique, à des choix de commissaires, il n'en demeure pas moins que la prise en compte des procédures d'exposition éclaire singulièrement la place de l'art dans notre monde. Des explications sur les circonstances entourant la création d'une oeuvre - de même que la façon dont ces circonstances sont connues et divulguées - enrichissent sa connaissance et en modifient le sens et l'approche. De même, une réflexion sur les publics, la scénographie, l'architecture, les commentaires, les textes de présentation, permet de voir en quoi les différentes médiations orientent et réorientent en permanence le jugement sur les oeuvres et notre compréhension de l'art. Biographie de l'auteur Jérôme Glicenstein est artiste et maître de conférences au département Arts plastiques de l'Université Paris 8.

Les Cultural studies recouvrent des domaines et perspectives d’investigation extrêmement variés. La revue Marges a choisi de se pencher sur les relations que ce champ de recherche entretient avec le domaine de l’art contemporain. La démarche se focalise à la fois sur des démarches singulières d’artistes et sur des questions plus larges (le statut de la danse contemporaine dans les pays du tiers monde ou les pratiques artistiques féministes et/ou pornographiques).« Art contemporain et Cultural Studies » s’inscrit dans une suite d’études menées par la revue Marges sur les conditions de la création en ce début de 21e siècle. il est question cette fois-ci de poser le problème des limites entre art (contemporain) et pratiques culturelles (légitimes et illégitimes).

ÉditorialLa question de la démocratisation de l'art est ancienne. Elle avait notamment été mise en avant par André Malraux dès la création du Ministère des affaires culturelles en 1959. Pour autant - et bien que cette question serve d'arrière-plan à nombre de décisions politiques dans le domaine culturel en France - elle est loin d'être complètement résolue à ce jour. D'ailleurs, qu'entend-on exactement par démocratisation de l'art (ou de la culture)? Qu'en est-il de cette «mission de rendre accessible les oeuvres capitales de l'humanité, et d'abord de la France, au plus grand nombre possible de Français»? S'agit-il de la promotion d'un art «élitaire pour tous», pour paraphraser Antoine Vitez? Est-il question de participer à l'émancipation des citoyens ou au contraire de contribuer à leur assujettissement au nom d'une culture normative? Est-ce autre chose qu'un slogan ou un voeu pieu?De nombreuses expériences ont été tentées depuis cinquante ans et en premier lieu en suivant le point de vue de l'offre et des moyens à accorder à la diffusion culturelle. Elles ont fait appel au développement d'initiatives en tout genre: création de structures alternatives (friches culturelles), de nouveaux modes de production des oeuvres (résidences d'artistes - y compris dans des quartiers dits sensibles), de nouveaux modes de diffusion (développement des services des publics, des ateliers pour enfants ou adolescents, des artothèques, des sites spécialisés...). D'autres expériences sont parties du point de vue opposé; à savoir les moyens à développer afin de permettre au plus grand nombre d'accéder à la création (quitte à remettre en cause constamment ce que cette notion recouvre). Dans ce cas, cela a pu concerner la revalorisation des «pratiques amateures» ou de formes longtemps considérées comme mineures (bande dessinée, musique rock, arts du cirque), voire la remise en cause de la centralité des institutions traditionnelles ou dominantes (musées, scènes nationales, centres d'art labellisés...). L'objet de ce numéro est de produire une réflexion sur ces questions en mêlant études de cas et réflexions plus générales.Les trois premiers articles peuvent ainsi être vus comme des études spécifiques qui appliqueraient les questions évoquées plus haut à des exemples concrets. Julien Péquignot s'interroge sur le sens à accorder à la présentation récente de clips vidéo au Musée d'art moderne de la ville de Paris. Ce type de présentation pose différents problèmes et en premier lieu celui de la revalorisation d'une pratique non-légitime. Pourtant, l'approche retenue par ce musée conserve une certaine ambivalence, interdisant sans doute que l'on se limite à y voir une opération de démocratisation culturelle.Dans un registre très différent, celui des galeries d'édition, Safia Bel-menouar montre que la question de la démocratisation de l'art est plus complexe que celle qui consiste uniquement à valoriser des objets illégitimes. D'ailleurs, les objets dont elle traite - des photographies d'art - ont déjà de fait une certaine légitimité. C'est plutôt leur usage - leur transformation en produit commercial - qui pose problème, suggérant un processus de démocratisation qui passerait uniquement par le biais d'un élargissement de la diffusion - y compris en faisant appel à des techniques de marketing - sans pour autant interroger le rapport aux oeuvres en tant que tel.Le troisième cas, étudié par Sonia Vidal, ne concerne pas non plus directement les oeuvres mais plutôt là aussi les circuits de diffusion. Les exemples dont elle traite - les Maisons Folie de Lille - sont en effet nés de l'idée selon laquelle la démocratisation ne pourrait passer que par une attention soutenue aux situations et réseaux locaux. Ici, l'initiative ne part pas des oeuvres ou des opérateurs culturels mais de la municipalité, ce qui pose la question des enjeux politiques, sociaux, économiques, de ce type d'intervention.(...)Jérôme Glicenstein

Résumé : L'idée d'institution artistique évoque des lieux : musées, théâtres, académies... ainsi que des instances de subvention, de transmission ou de patrimonialisation. L'institution est parfois vue comme un instrument de contrainte, lieu de récupération, voire de répression, qui serait opposé à la liberté, à la spontanéité ou à la subversion de l'art. La doxa ajoute souvent que les artistes s'y opposent avant de les intégrer - signe d'une reconnaissance bien méritée ou de la pire des compromissions. Au-delà de ces images, ce numéro de Marges pose la question de la place des institutions dans le fonctionnement de l'art, de leur nécessité et de leurs limites.