Marges N° 16 : Art contemporain et cultural studies

Résumé : L'idée d'institution artistique évoque des lieux : musées, théâtres, académies... ainsi que des instances de subvention, de transmission ou de patrimonialisation. L'institution est parfois vue comme un instrument de contrainte, lieu de récupération, voire de répression, qui serait opposé à la liberté, à la spontanéité ou à la subversion de l'art. La doxa ajoute souvent que les artistes s'y opposent avant de les intégrer - signe d'une reconnaissance bien méritée ou de la pire des compromissions. Au-delà de ces images, ce numéro de Marges pose la question de la place des institutions dans le fonctionnement de l'art, de leur nécessité et de leurs limites.

Quel est le rôle des différents agents (artistes, curateur, conservateur, galeriste, critique, théoricien, spectateur, etc.) dans le fonctionnement discursif de l'art ? Il s'agit ici d'envisager les effets réciproques, les coopérations, les conflits entre les modalités du discours de l'œuvre et du discours sur l'art.

Le discours sur l'art traite généralement d'oeuvres, d'artistes ou de création mais délaisse un aspect essentiel de la relation esthétique: l'exposition. De fait, la question est complexe: comment aborder conjointement des éléments aussi hétérogènes que les relations entre objets, les relations de ces objets à des lieux ou à des publics ou encore les relations internes au monde de l'art qu'ils sous-tendent? Une partie de la difficulté tient aux compréhensions contradictoires impliquées par l'exposition; car exposer c'est à la fois produire une énonciation (un exposé) et découvrir, mettre à nu, mettre en danger. A la fois révéler - en un sens quasi photographique - et dévoiler: dénoncer et donner en exemple - rabaisser et élever. Bien que la question de l'art et de son appréciation ne se réduise évidemment pas à un ensemble de dispositifs de présentation, à des textes d'accompagnement ou de critique, à des choix de commissaires, il n'en demeure pas moins que la prise en compte des procédures d'exposition éclaire singulièrement la place de l'art dans notre monde. Des explications sur les circonstances entourant la création d'une oeuvre - de même que la façon dont ces circonstances sont connues et divulguées - enrichissent sa connaissance et en modifient le sens et l'approche. De même, une réflexion sur les publics, la scénographie, l'architecture, les commentaires, les textes de présentation, permet de voir en quoi les différentes médiations orientent et réorientent en permanence le jugement sur les oeuvres et notre compréhension de l'art. Biographie de l'auteur Jérôme Glicenstein est artiste et maître de conférences au département Arts plastiques de l'Université Paris 8.

Les oeuvres d'art ne se présentent jamais seules. Qu'elles soient stockées dans les réserves d'un musée, exposées dans un centre d'art ou simplement reproduites dans une revue, elles font l'objet de mises en forme spécifiques et sont accompagnées de textes, de discours et de prises de parole en tous genres. Il s'agit parfois de propos très construits travaux universitaires, notices de catalogues, visites-conférences et, dans d'autres cas, d'éléments nettement moins ambitieux cartels, cartons d'invitation, conversations de vernissage.Le point commun à ces différents éléments est néanmoins de mettre en scène les oeuvres d'art et de leur donner sens, ne serait-ce que temporairement. Décrire les fonctions spécifiques que les formes médiatrices occupent aux côtés des oeuvres conduit alors à envisager différemment la relation esthétique. L'hypothèse ici avancée est que certaines notions issues de la pragmatique linguistique énonciation, actes de langage, dialogisme, polyphonie, etc. permettent de décrire aussi précisément que possible le rôle que jouent textes et discours d'accompagnement dans la constitution, la compréhension et le fonctionnement ordinaire de l'art contemporain.