Recherches en Esthétique N° 26, janvier 2021 : Le (dé)plaisir

Si d'une manière générale le montage est associé au cinéma, en tant qu'addition "de morceaux tout faits" comme disait le cinéaste soviétique Eisenstein, il concerne naturellement d'autres arts dont la peinture, le collage, le photomontage, la photographie, les happenings, le théâtre, la danse, etc. Le montage permet d'organiser des rapports inédits, de créer des liens anachroniques entre des éléments hétéroclites et étrangers les uns autres. Il suppose des passages d'un monde à un autre, des pénétrations, des glissements. Il produit aussi bien des rapprochements que des écarts, il ouvre sur une multiplicité de possibles. Il est considéré comme une caractéristique de l'esthétique de la modernité tant il a été généralisé au cours du XXe siècle. L'assemblage de son côté suppose une non-homogénéité. Il implique la juxtaposition, la superposition, l'accumulation, la simultanéité de structures et de matériaux divers. Il affirme aussi une rupture avec la conception illusionniste et donc classique de l'art. Il relève d'un travail de construction qui passe par des choix et renvoie à l'intention de l'artiste qui met en rapport des éléments hétérogènes. L'assemblage crée des dialogues et des tensions, des relations et des échos. Le montage et l'assemblage ont recours à des fragments divers, fragments du monde, du réel, que l'artiste combine, associe, organise dans l'objectif de produire de la surprise, de l'étonnement, du non connu. L'objectif de ces procédés est de faire surgir l'insolite, l'inattendu. Les textes rassemblés dans ce volume sont organisés en six sections et traitent du sujet selon des approches distinctes. La première partie rassemble des textes qui exposent les implications et les enjeux des pratiques collagistes, montagistes et assemblagistes au cours des XXe et XXIe siècles. La seconde partie est centrée sur le montage et l'assemblage au cinéma, à la fois au travers du cinéma soviétique et de celui d'Hitchcock. La partie suivante traite du thème au travers d'aspects pour le moins insolite tels que la pâtisserie, une certaine mode vestimentaire que pratiquent les dandys modernes congolais, le sampling dans la culture hip-hop, les points communs que l'on peut observer dans les costumes portés lors de danses et de luttes pratiquées au Sénégal, au Brésil et en Martinique. La quatrième partie traite de la pratique spécifique de trois artistes, l'un du Sénégal, l'autre de France, le troisième du Québec. Suivent des textes centrant cette thématique sur des artistes de la Caraïbe, plus précisément : la Martinique, la Guadeloupe, Cuba. La dernière partie est consacrée à la XIIIe biennale de Cuba qui s'est tenue à La Havane en avril-mai 2019 et où se sont rendus plusieurs collaborateurs de Recherches en Esthétique.

Le temps, donnée fondamentale de l'existence humaine, est aussi une notion importante en esthétique et dans le domaine artistique. Le temps qui nous inscrit dans une durée de vie plus ou moins longue, mais de toute manière limitée, ne cesse de nous tourmenter. L'avant, le présent, l'après, disent un mouvement régulier, irrémédiable, irréversible. Depuis les temps les plus anciens, les philosophes n'ont cessé de réfléchir sur ce phénomène incontrôlable, inéluctable, auquel on ne peut se soustraire. Si l'on se réfère aux créations artistiques et littéraires du passé et du présent, il est indéniable que le temps (et son écoulement) a été, au cours des siècles, une source d'inspiration permanente pour les artistes et les écrivains, ce qui en fait un " objet " esthétique, un objet de réflexion et de création. Certains arts s'inscrivent de fait dans le temps comme la musique, la danse, la performance, le théâtre, le cinéma, l'opéra. Ces arts du temps ont une durée limitée, même si certaines oeuvres sont un éloge du temps long, comme les films d'Andy Warhol, Sleep (1963), d'une durée de 5 heures 21 minutes et Empire (1964), de 6 heures 36 minutes tourné en 24 images seconde, mais projeté en 16 images seconde sur une durée d'environ 8 heures et 5 minutes. Dans le domaine du théâtre, citons Le Soulier de Satin de Paul Claudel, mis en scène par Antoine Vitez, d'une durée de 11 heures, joué dans la Cour d'honneur du Palais des Papes lors du Festival d'Avignon en 1987. Enfin, évoquons cette prouesse technique qu'est la vidéo de Christian Marclay, The Clock (2010) d'une durée de 24 heures qui a remporté un Lion d'or, lors de la Biennale d'art contemporain de Venise, en 2011. Le temps intervient également dans la conservation des oeuvres. Certaines peintures du passé, par exemple, traversent mal le temps. Les couleurs s'assombrissent, la surface se craquelle, les oeuvres réagissent aux effets climatiques. La conservation des oeuvres anciennes et leur restauration sont une réelle préoccupation. Une partie de l'art contemporain, quant à lui, s'inscrit au contraire dans le temps court, au travers d'oeuvres éphémères, envisageant l'altération, la détérioration, voire la destruction et la disparition de celles-ci. D'autres artistes comme Roman Opalka avec ses chiffres et ses photographies ou Christian Jaccard avec ses noeuds ont cherché à donner une matérialité et une visibilité au temps qui s'écoule. Certains matériaux et alliages comme le marbre ou le bronze résistent au temps, tandis que d'autres, plus fragiles, en subissent les effets. Les oeuvres sont à la fois temporelles et atemporelles. Leur réception questionne. Karl Marx, par exemple, se posait la question de leur atemporalité, se demandant pourquoi certaines oeuvres du passé continuaient à avoir un impact esthétique chez les récepteurs d'une époque postérieure. On sait aussi que les oeuvres, en général, survivent à leurs auteurs. Celles-ci continuent à exister au-delà du temps de vie de leur créateur et, en conséquence, permettent à ce dernier de traverser le temps. Sans souci d'exhaustivité, évoquons pour finir les représentations du temps à travers divers symboles comme le sablier, l'horloge, le crâne humain, ou les expressions du temps dans toute leur diversité, comme le mouvement, le déplacement dans l'espace, l'action, le surgissement de l'imprévisible, la dégradation, le vieillissement, etc. Cette question du temps, traitée dans les 24 textes qui composent ce volume explorant différents domaines comme le cinéma, la peinture, l'art numérique, l'architecture, la sculpture, la performance, etc., a été savamment choisie, car à l'occasion de ce 30e numéro, Recherches en Esthétique fête ses 30 ans d'existence. Dominique Berthet

Ce nouveau numéro de Recherches en Esthétique aborde la question de la prise de risque dans le domaine artistique. La formulation "Les risques de l'art" qui constitue le titre de ce numéro sous-entend plusieurs pistes de réflexion. L'art du risque, le risque en art, au risque de l'art, l'éloge du risque, etc. sont de possibles entrées dans ce sujet aux nombreuses implications. Un certain nombre de questions se posent : la prise de risque est-elle inhérente à la création ? L'art est-il dangereux ? Si oui, en quoi et pour qui ? La prise de risque est-elle comparable selon les époques et les cultures ? Y a-t-il des degrés dans la prise de risque ? Le risque peut-il être calculé ou est-il imprévisible ? La liste naturellement n'est pas close. Les implications et les enjeux de ce thème sont particulièrement riches. Le présent volume traite entre autres de ces questions.