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Balthus et le portrait
Viéville Camille ; Clair Jean
FLAMMARION
29,90 €
Épuisé
EAN :9782081261433
Dans un siècle qui a souvent malmené lé portrait, le peintre Balthus (1908-2001) s'est employé avec détermination à le réhabiliter. Si l'on connaît surtout de cet artiste des variations sur le thème de la jeune fille et ses grandes compositions emplies de mystère, le portrait joue néanmoins dans son oeuvre, dès les années 1920, un rôle passionnant et singulier. Attirant alors les créateurs les plus divers, le genre suscite un vif débat qui cristallise les antagonismes de la scène artistique. Après la guerre, dans un contexte plus rétif à la figuration, Balthus pour-suivra sa voie, explorant plus encore les possibilités du portrait, notamment par le dessin. A partir des années 1930, le peintre développe une pensée esthétique du portrait. marquée par une conception très littéraire. En sont issues des oeuvres qui ont fasciné des écrivains majeurs tels Antonin Artaud, Pierre Jean Jouve, Pierre Klossowski ou encore Albert Camus. Conçus tour à tour comme des créations divinatoires, magiques, nietzschéennes, les portraits de Balthus sont dotés d'un entêtant pouvoir d'envoûtement. Investissant une multitude de champs intimité, mondanité, amitiés artistiques et intellectuelles, autoportrait -; leur analyse permet de saisir, dans le travail de l'artiste, le rôle fondamental tenu par l'histoire de la peinture, la complexité des processus plastiques et l'emprise de Balthus sur ses modèles.
Résumé : Représenter une personne identifiée, mais dans le plus simple appareil, peut paraître à certains égards surprenant. Depuis l'Antiquité, les artistes ont pourtant peint, dessiné ou sculpté de nombreux portraits nus. Cet ouvrage est une invitation à porter un regard nouveau sur ce grand oublié de l'histoire de l'art que constitue le portrait nu, aucune monographie ne lui ayant jamais été consacrée auparavant. Il propose, de manière synthétique et documentée, l'étude des principales évolutions d'un motif inattendu et fascinant, des Grecs à l'époque contemporaine. Quels cadres ont permis l'émergence du portrait nu ? Pourquoi l'ouverture du portrait à la chair a-t-elle bouleversé la représentation ? Mais aussi, comment la sexuation du nu a-t-elle structuré le portrait ? Et quelle place, dans cet espace, pour le corps de l'artiste ? Voilà les principales questions soulevées dans cet essai.
Résumé : Des pigments ornant les grottes préhistoriques aux néons lumineux de Dan Flavin en passant par les monochromes d'Yves Klein et les créations de Véronèse, Van Gogh, Delaunay, Warhol et Rothko, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, l'histoire, les matériaux et la symbolique des couleurs à travers les siècles et les cultures. Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de l'évolution des couleurs.
Résumé : Des nus de Napoléon à ceux de Voltaire ou de Balzac, la représentation des individus dans leur plus simple appareil a fasciné des générations d'artistes, de l'Antiquité à aujourd'hui. Sujet que l'on pourrait croire classique, le portrait nu se révèle aussi inédit que subversif, se situant entre l'histoire du portrait et celle du nu. Soit dans une zone d'ombre de l'histoire de l'art, naviguant entre tabous et libérations. Camille Viéville propose une passionnante réflexion sur les défis de la représentation du corps, ses enjeux artistiques et ses évolutions au fil des siècles. A travers une sélection originale d'oeuvres célèbres ou déroutantes, l'auteur explore les problématiques du portrait nu, de la question épineuse du nu féminin à la place complexe qu'occupe le corps de l'artiste.
Résumé : From the first decorative pigments in Paleolithic caves, to Sonia Delaunay's contrasts of primary and secondary colors, to Dan Flavin's neon light installations, this comprehensive, illustrated guide demonstrates how color-through different periods, cultures, and artistic movements-has been used and interpreted in art. Through sixty masterworks from prehistory to the present day, the history and symbolic meanings of colors are explored, as well as the materials and techniques employed by artists to convey their effects, from Yves Klein's monochromes to Mark Rothko's fields of vibrant colors, or from Claude Monet's impressions of a fleeting moment in time to David Hockney's ultramarine blue reflections and shadows, inspired by Johannes Vermeer. Featuring the chromatically remarkable creations of artists including Veronese, Van Gogh, Hokusai, Kandinsky, O'Keeffe, Kahlo, or Warhol, this volume offers an enlightening overview of the history of color in art.