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Giorgio De Chirico. Suivi de L'Art métaphysique
Lista Giovanni
HAZAN
21,90 €
Épuisé
EAN :9782754102872
En Giorgio De Chirico, un critique a dénombré jusqu'à douze peintres différents: le copiste, le portraitiste, le peintre de gladiateurs, le peintre de chevaux, l'orientaliste, le peintre de mythologie, de natures mortes... Pour beaucoup, c'est avant tout le génial inventeur de la peinture métaphysique, mais le livre de Giovanni Lista donne à voir et à comprendre tous les aspects de son oeuvre énigmatique, dominé par la passion du bien peint. Car "la singularité de l'oeuvre de Chirico, au sein de l'art moderne, réside dans son opposition à tout ce qui nourrissait, à l'aube du siècle, l'esprit même de l'avant-garde". Et pourtant, dès qu'elle est connue, sa peinture fascine Apollinaire et Picasso aussi bien que Malevitch ou Van Doesburg, intrigue dadaïstes et futuristes avant de compter au nombre des référents des peintres surréalistes. Cette monographie est complétée en annexe par la reproduction des textes théoriques de De Chirico regroupés sous le titre L'Art métaphysique. Biographie de l'auteur Giovanni Lista, directeur de Recherche au CNRS. est l'auteur de nombreux ouvrages critiques sur des artistes et des écrivains modernes, dont Boccioni, Medardo Rosso, Russolo, Loie Fuller, Paladini, Léger, Herbin, Ionesco. Marinetti... Ses travaux portent aussi sur des mouvements ou sur des sujets plus vastes. tels que la "scène moderne". le futurisme, le dadaïsme, le happening, la photographie d'avant-garde, la danse, etc.
A Giovanni Lista, Espace représenté, espace réel, espace cosmique Mariia Pshenichnikova, Quatrième dimension dans la poésie de Khlebnikov Giovanni Lista, Les Frères Anton Giulio et Arturo Bragaglia inventeurs du photo-dynamisme futuriste Pierre Vermeersch, Finalité de lacte pictural. La traversée de lhistoire, avec Lacan Laurence Debecque-Michel, La Joconde masquée Caroline Hoffman-Benzaria, Des nouvelles technologies et de nouveaux regards Nina Spartà, Christo et Jeanne-Claude, Paris ! Stéphane Ricout et Reinhard Seiss, Otto Wagner, architecte de léquilibre instable
Cet ouvrage propose une approche complète du mouvement futuriste, considéré comme la première avant-garde du XXe siècle. Sous la forme de fiches détaillées, consacrées aussi bien à la vie artistique, à son contexte culturel qu'aux manifestes et autres écrits théoriques ou critiques, il explique, dans ses différentes étapes et à travers sa traduction internationale, année par année, la signification historique du futurisme, depuis l'Italie où il est né jusqu'en Russie. Il en retrace les modes d'expression en tant qu'avant-garde et en tant que poétique d'un art de la modernité. Il en désigne les éléments fondateurs et en étudie les prolongements, tant dans le domaine de l'art mécanique de l'après-guerre que dans celui de l'aéropeinture, jusqu'au début des années quarante. A travers des ?uvres parfois inédites ou fort peu connues, commentaires à l'appui, il offre également un dossier iconographique exceptionnel permettant d'initier le lecteur à l'étude de l'esthétique futuriste. Sa trame chronologique permet enfin d'illustrer également les connexions qui ont permis à bien d'autres mouvements de l'avant-garde internationale de se positionner de façon dialectique face aux manifestes lancées par les futuristes.
Résumé : Premier mouvement d?avant-garde du xxe siècle, le futurisme est fondé en janvier 1909, à Milan, par l?écrivain Filippo Tommaso Marinetti. Ce mou- vement révolutionnaire veut instaurer une nouvelle approche du monde en général et de l?art en particulier en repensant l?homme dans sa confrontation avec la machine, la vitesse et la technologie. Etre futuriste signifie poursuivre la régénération continue de toute chose, c?est-à-dire rechercher la plus totale adéquation de la vie humaine à la logique du devenir. Aussi les futuristes inventent-ils mots en liberté, musique des bruits, sculp- tures cinétiques, assemblages plastiques mobiles, sonores et abstraits, archi- tecture du verre, du fer et du béton, art du mouvement, danses plastiques, théâtre abstrait, tactilisme, jeux simultanés, pour réinventer, par l?art, la vie au quotidien : mode, design, jouets, communication postale, création graphique, typographie, meubles, sport, cuisine, comportement, sexualité, etc. Le futurisme, avant de se compromettre en grande partie avec le régime fasciste, deviendra un modèle de référence pour les avant-gardes des années dix et vingt : le cubo-futurisme français et le constructivisme russe, le moder- nisme brésilien, l?ultraïsme espagnol, le vorticisme anglais, l?électricisme sué- dois, l?ardentisme mexicain, l?activisme hongrois, le formisme polonais, etc. , sans parler du dadaïsme et du surréalisme. On retrouvera dans la plupart de ces mouvements, à la manière futuriste, la stratégie du manifeste et des " soirées", l?organisation de spectacles, la projection de l?action culturelle au sein même du corps social. Le rôle historique du futurisme fut immense, car son exemplarité en fit le paradigme de ce qu?on a appelé " le siècle des avant-gardes".
Cet ouvrage se propose de faire le point sur les années de jeunesse de Monet au Havre, de 1845, année de l'installation de la famille, à 1874, année de la première exposition impressionniste à Paris, et de la dernière grande série de marines exécutée dans le port. C'est durant ces trente ans décisifs que le jeune homme, né en 1840, effectue ses premiers pas artistiques. Il remplit ses carnets de dessins sur le motif, croque les notables havrais, s'essaie au paysage en compagnie d'Eugène Boudin, s'imprègne de la leçon des maîtres, partageant son temps, à partir de 1859, entre la ville de son enfance, ses voyages, et Paris où il approfondit sa formation artistique et rencontre les futurs impressionnistes. Monet croise aussi au Havre les photographes en quête de sujets pittoresques ou propres à défier une technique qui évolue très vite. Leurs photographies constituent un vivier de motifs qui émaillent l'oeuvre du peintre. Abondamment reproduites dans l'ouvrage, elles mènent le lecteur sur les sites choisis par l'artiste : des paysages sauvages de la pointe de la Hève à Sainte-Adresse, ce "bout du monde" prisé des Havrais, en passant par les régates de voiles animant la rade, pour finir au coeur du grand port industriel du Havre. Elles sont la clé, en outre, de certains chefs-d'oeuvre de Monet qui font l'objet d'analyses approfondies, tels La Terrasse à Sainte-Adresse de 1867 ou Impression, soleil levant et Le Port du Havre, effet de nuit de 1872. C'est également au Havre que Monet trouve les premiers soutiens à sa vocation, dans le milieu familial et auprès des collectionneurs locaux, notamment, les Gaudibert, qui lui achètent ses premiers tableaux, ainsi que, plus tardivement, les membres fondateurs du Cercle de l'Art moderne. Le jeune artiste séduit également par l'entremise de ses amis les peintres Boudin et Courbet qui seront également pourvoyeurs de nouveaux mécènes. Une équipe de chercheurs internationaux, réunis par Géraldine Lefebvre, fait le point sur ces années décisives. Documents inédits à l'appui, ils passent au crible le milieu familial, la vie havraise et son incidence sur Monet, les conditions de sa première formation artistique, les sites peints, les influences à l'oeuvre dans la peinture du jeune peintre, l'évolution de sa technique, les premiers mécènes. Une chronologie, des cartes, un arbre généalogique et des extraits de correspondance apportent une documentation essentielle, souvent inédite, à la compréhension du peintre et de son parcours. L'ouvrage sort à la veille du 5e centenaire de la fondation du Havre, en 2017. Placé sous l'autorité conjointe de la Ville du Havre et de son agglomération, du Grand Port Maritime et de la Chambre de Commerce et d'Industrie, cet anniversaire vise à rassembler la population autour d'événements festifs et culturels et plus globalement à promouvoir le territoire dans toutes ses composantes, en se donnant un rayonnement national et international.
Second volume consacré à l'art du XXe siècle dans la collection des guides Hazan, cet ouvrage s'attache aux démarches artistiques des années 1950 à 2000. L'art contemporain y est d'abord exploré décennie après décennie à travers les tendances, les mouvements (expressionnisme abstrait, Action Painting, Color-Field Painting, Pop Art, art conceptuel, art cinétique, Land Art, Nouveau Réalisme, hyperréalisme, etc) et les techniques. Sont ensuite examinés les foyers artistiques, sous un angle géographique mais aussi dans un sens plus large (marché de l'art, foires, musées, internet). Pour plus de soixante artistes, chaque parcours est présenté par une notice biographique détaillée et une ou plusieurs reproductions d'oeuvres. Trois approches pour se retrouver dans le foisonnement de l'art contemporain. Voir aussi L'Art au XXe siècle, tome 1, Les avant-gardes.
Objet et sujet de tous les regards, le visage humain est omniprésent et toujours difficile à saisir : jamais nous ne pouvons être tout à fait certains qu'il se livre entièrement à nous. En partie en raison de cette ambivalence, il est devenu un objet d'étude au croisement de disciplines fort diverses, de la neurophysiologie à la philosophie du corps, de l'anthropologie culturelle à l'histoire des arts visuels. Il est ainsi analysé aussi bien comme enveloppe, surface, matériau, médium, théâtre des opérations, objet culturel, social, et politique, mais peut-être avant tout comme une prérogative de l'espèce humaine. Or toutes les interrogations qu'il suscite convergent vers une question à la fois très simple dans sa formulation et infiniment complexe dans les multiples réponses que l'on peut y apporter : qu'est-ce qu'un visage ? En choisissant une approche encyclopédique dans un ouvrage richement illustré, l'auteur favorise plusieurs types de lectures : une lecture méthodique, mais aussi des consultations ponctuelles et des découvertes aléatoires, afin de restituer un peu de ce que les recherches menées lors de cette enquête doivent au hasard des rencontres, des profils perdus et des singuliers face-à-face.
Nouvelle version reliée avec couverture en simili soie et rubans, pages intérieures en "papier de riz".Le Pont Nihonbashi, le Mont Fuji, et la nature toujours présente, les jeux de lumière et de transparence à travers les sudare, le théâtre Kabuki, les courtisanes des maisons vertes, les visages et le miroir? autant de thèmes qui sont source d?inspiration permanente pour les artistes de l?Ukiyo-e, à travers les siècles.Suivant une trame historique de la fin du xviie siècle jusqu?à nos jours, Nelly Delay explique la permanence de ces thèmes dans l?art de l?estampe. Elle décrit le contexte historique, culturel et social dans lequel cet art a vu le jour et évolué au cours des siècles et montre combien il est profondément ancré dans la civilisation japonaise.Elle explique les origines de l?estampe et la voie que des audacieux comme Moronobu et Kiyonobu ont suivie en réalisant les premiers bois pour des tirages exécutés en noir et blanc. Elle montre comment les artistes du xviiie siècle et leurs estampes de brocart - et parmi eux Harunobu, qui eut le premier l?idée d?utiliser toutes les possibilités de la couleur - permirent à l?Ukiyo-e d?accéder par la suite à un véritable âge d?or : Utamaro, éternellement inspiré par les femmes, Sharaku et les visages d?acteurs, Hokusai, le « fou du dessin », Hiroshige et la nature, Kuniyoshi et ses thèmes fantastiques, Toyharu, Shiba Kokan et bien d?autres?Si le livre suit un plan chronologique qui s?impose sur pareil sujet, l?auteur établit toutefois des comparaisons entre artistes d?époques très différentes afin de faire percevoir l?art de l?estampe hors du temps, au-delà des euvres et des écoles. L?originalité et l?abondance de l?iconographie, la richesse des informations rassemblées au fil des chapitres et la diversité des thèmes abordés font de ce livre, très illustré et vivant, un précieux guide du Japon traditionnel. Le style adopté le rend accessible à un large public alors que l?importance des annexes - où sont présentés notamment les étapes de fabrication, les cachets de censeurs et d?éditeurs, les signatures des artistes, les formats, les techniques et les couleurs - en fait un outil scientifique appréciable par les spécialistes, les collectionneurs et les amateurs avertis. Notes Biographiques : Historienne d?art, Nelly Delay est spécialiste d?art japonais ancien. Elle a organisé de nombreuses expositions pour lesquelles elle a publiée des catalogues raisonnés sur des sujets peu explorés, notamment « Le Dessin Japonais », « Peintres de la cour du Prince Genji », « Japon-Occident ». En 2002 elle a été nommée Officier des Arts et Lettres après avoir réalisé la donation de la « collection d?Art Japonais Norbert Lagane » au musée Guimet. Outre ses conférences données au CNRS, à l?OCDE et dans différents organismes culturels, elle est l?auteur, entre autres, de « l?Estampe Japonaise » (Editions Hazan 1993) ; « Le Japon Eternel » (Découverte Gallimard 1998), « Le Monde de l?Estampe Japonaise » (Hors série Découverte Gallimard), « Le Jeu de l?Eternel et de l?Ephémère » (Editions Philippe Picquier 2004), « Soleil rouge, chefs d?euvre de la peinture japonaise » (Editions Phebus 2007).