L'ABCdaire du fauvisme

Depuis 2018, Dolla a poursuivi sa série ? Sniper ? . Dans son nouvel atelier du 109 à Nice, il a pu développer et raffiner sa pratique des ? Fleurs du mal ? sur de très grands formats, des toiles de dix mètres de long. Ces anciens abattoirs sont pourvus de poutrelles métalliques et palans. Au bout de ces chaines est accrochée une civière en plastique, qui, maintenue de part et d'autre, peut ainsi se déplacer, sur les dix mètres, tout le long de la toile. Dolla arrive, se chauffe, s'échauffe, avant de se lancer dans ce corps à corps avec la peinture, suspendu au-dessus d'elle, allonge sur la civière, face à elle. Commence alors la séance. Une première traversée avec une ligne de peinture noire. Il tient la bouteille d'acrylique dans sa main, le liquide coule sous sa pression, plus ou moins, suivant l'horizontale préalablement définie par un fil de pêche tendu sur la toile, bord à bord. De sa voix, il commande le déplacement rectiligne, plus ou moins vite, rythme qui donne l'inflexion du tracé, sa graphie lente ou rapide, comprimée ou déliée. Il avance ainsi à reculons, glissant au-dessus de la peinture sans voir ni ce qu'il a fait ni ce qu'il va faire, en aveugle. Cette première ligne tracée installe la graphie de l'oeuvre, en fixe l'espace aussi, en anticipant son basculement dans le champ du spectateur. Il pose ensuite ses couleurs tout au long de nouveau, son corps place dans cette position inconfortable et physique, mû par ce travelling qui n'a rien de mécanique. Puis, lorsque tout cela est installé, la belle calligraphie, il passe de nouveau et détruit, souffle avec son arme à air comprimé la peinture qui s'éclate et gicle, se vaporise sur la toile blanche, évoquant cette image terrible d'un corps frappé par la balle : ? La masse de 43 grammes d'acier chemisée heurte, explose et dissipe son énorme énergie cinétique dans la poitrine de JC Vainqueur, qui n'a rien entendu pas même le bourdonnement de l'incandescent, Terrifiant-Insecte qui vient de frapper son sternum. Sous la puissance de l'impact, le corps éclate comme un fruit trop mur, tombe de la cime d'un arbre sur l'arête d'un bloc de granit ?

Marguerite, la fille de Matisse et son époux Georges Duthuit, critique d'art, historien et écrivain, projettent en 1947 de constituer une série d'ouvrages sur le thème des rituels de la fête dans certaines civilisations, comme celle des Esquimaux, des Indiens, des Polynésiens et des Africains. Inaugurant la série, le livre sur les Esquimaux est un essai poétique de Georges Duthuit, Une Fête en Cimmérie pour lequel Matisse réalise les illustrations de visages d'Esquimaux. Pendant cette période, Matisse travaille au projet de la Chapelle du Rosaire de Vence, se consacrant à de nombreuses études à propos desquelles il s'interroge sur la représentation ou non des visages en raison de la spiritualité qu'ils doivent inspirer. C'est aussi à ce moment qu'il s'attache à dessiner des visages d'Esquimaux, peuple en relation permanente avec les forces mystiques et physiques de la Nature. Il s'inspire pour ces portraits de documents photographiques et de divers livres ethnographiques et des masques de la collection de Georges Duthuit. 31 lithographies de différents formats sont réalisées entre 1947 et 1948 mais l'ouvrage sera publié en 1963, 9 ans après la mort de Matisse. Durant toute son ?uvre, la représentation du visage humain sera un sujet qui forcera Matisse à développer ses recherches. Le visage qui évolue jusqu'au masque, signe représentatif de l'essence d'une personnalité est un moyen d'approfondir les questions de l'expression, du regard, de la ressemblance et de la réalité. À l'occasion de la présentation des visages esquimaux, sont ainsi déclinées les différentes manières dont Matisse envisage la représentation de l'humain.

Résumé : Charles Camoin arrive à Paris en janvier 1898, où il s'inscrit à l'Ecole des Beaux-Arts, avant d'être admis dans l'atelier de Gustave Moreau. C'est là qu'il rencontre Matisse, Marquet et Manguin et participe avec eux à la "Cage aux fauves" du Salon d'automne 1905. Membre du fauvisme, ses oeuvres - considérées d'un fauvisme modéré - sont appréciées de la critique pour leur franchise et leur rigueur constructrice. Il s'installera définitivement dans la capitale en 1904. L'artiste occupe à Montmartre l'atelier du 12 rue Cortot de l'hiver 1908 à 1909, dans l'aile gauche du bâtiment sur rue. Véritable montmartrois d'adoption, il ne quittera plus la Butte, sauf pour quelques séjours dans le Sud de la France ou à l'étranger. Sa rencontre avec Cézanne représente pour lui un tournant : son influence est apparente dans la construction de l'espace pictural par la couleur. A partir de 1908, Camoin réintègre le noir dans sa palette, et accorde une importance croissante à la gestualité de la touche. Certaines vues de Paris et de Montmartre ainsi diffusent une impression mélancolique. A cette époque, l'artiste traverse une période difficile, brûlant même les toiles qui ne lui convenaient pas. Les paysages du Midi, les portraits de femmes, les natures mortes et les nus sont les sujets qui parcourent essentiellement son oeuvre. L'exposition souhaite retracer les liens qu'a entretenus Charles Camoin avec le quartier de Montmartre, à partir de ses toiles et dessins, mises en perspective avec les oeuvres de ses maîtres, Renoir, Cézanne et de ses camarades, Matisse, Derain, Marquet, Manguin ou encore Van Dongen.