Objectif 49. Cocteau et la nouvelle avant-garde

Becq de Fouquières est un nom aujourd'hui totalement oublié des dictionnaires du théâtre ou des bibliographies sur la mise en scène. Pourtant, ce féru d'art dramatique et de scénographie signa en 1884 un véritable coup de maître en publiant, avec L'Art de la mise en scène, le premier essai théorique consacré à l'esthétique de la mise en scène théâtrale, et l'un des rares parus à ce jour sur le sujet. Cette véritable mine d'information paraît alors que la technique de la mise en scène est en passe de devenir un art, lequel jouera un rôle prépondérant dans l'avènement du statut de "metteur en scène". En effet, l'émergence de la mise en scène moderne est généralement datée de 1887, année de fondation du Théâtre Libre par André Antoine à Paris. En ce sens, le texte de Becq de Fouquières, paru trois ans auparavant, peut être vu et lu comme un témoignage sur la façon dont la mise en scène était alors pensée en cette époque charnière. Cet essai a aussi conservé toute son actualité. Abonné à la Comédie-Française et à l'Opéra, critique à ses heures, Becq de Fouquières laisse derrière lui l'oeuvre d'un "prophète malgré lui de la mise en scène moderne", comme le soulignera bien plus tard l'universitaire et historien du théâtre Bernard Dort. [Avant-propos de Frédéric Gimello-Mesplomb] Extrait : "Quel rôle particulier est appelée à jouer la mise en scène dans l'évolution de l'art dramatique ? Jusqu'à présent, il paraît y avoir beaucoup de confusion dans les idées de ceux qui se réclament de l'école réaliste. Les théâtres semblent obéir à une tendance dangereuse qui ne peut aboutir qu'à leur ruine sans profit pour l'art. Cette tendance consiste à transformer la représentation du réel en une sorte de présentation directe, de telle sorte qu'ils cherchent à s'affranchir du procédé artistique de l'imitation et mettent leur ambition à nous intéresser à la vue des objets eux-mêmes. [... ] Par conséquent, l'art de la mise en scène ne peut avoir la prétention de prendre le pas sur l'art dramatique. Il ne le pourrait qu'en annihilant celui-ci, ce qui serait contraire à sa propre destination. Il doit donc lui rester subordonné, tout en le suivant forcément et en se préoccupant, à son exemple, du caractère individuel et particulier des objets qu'il évoque à nos yeux".

De Cocteau à Besson en passant par Franju, Kast, Carné, Rivette, Rollin, ou Ozon, les cinéastes français se sont fréquemment confrontés au genre fantastique, avec un succès public et critique toujours difficile à conquérir, jusqu'à ce que l'embellie du cinéma français de genre n'ouvre, depuis le début des années deux mille, un nouvel espace de possibles. Cet ouvrage n'entend pas contribuer à la réhabilitation d'un genre "mineur" sur le registre du fétichisme des cultures populaires. En observant la rémanence d'une veine fantastique au sein de la production sonore française ainsi que les différentes formes que choisirent les cinéastes pour s'y insérer, cette recherche a été animée par le souhait de restituer la nature des débats portant sur la légitimité sociale et artistique que suscitèrent ces incursions dans l'univers du cinéma de genre. Basé sur un corpus de près de quatre cents longs métrages, cet ouvrage observe les systèmes de croyances des collectifs institutionnels d'experts (Avance sur recettes du CNC, Commission de classification des films...) face à la genrification à l'oeuvre dans le cinéma français. Les auteurs dressent enfin un bilan de la production fantastique française en répertoriant les thèmes récurrents d'un genre hybride, incertain et instable, requérant du spectateur comme du décideur public la mobilisation de dispositifs de jugement toujours plus élaborés afin d'identifier la qualité des objets en circulation.

Résumé : Musicologue aujourd'hui bien oublié mais qui fut prolifique dans la seconde moitié du XIXe siècle (il fut chroniqueur musical au journal Le Temps de sa création en 1861 à 1895), Johannes Weber nous livre avec son ouvrage L'expression orchestrale et les illusions musicales (originellement intitulé Les illusions musicales et la vérité sur l'expression de la musique) un véritable petit traité de musicologie sur la musique et l'impact des couleurs descriptives. Avec érudition, son auteur traite de la musique imitative, de la musique scénique, des relations entre musique et beaux arts... Replacé dans le contexte de l'hybridation des formes scéniques et opératiques des années 1860-1890 , cet ouvrage témoigne de la fascination des musicologues d'alors pour la musique dite "à programme" et, plus exactement, sur la façon dont cette dernière agit sur l'inconscient des auditeurs via les palettes orchestrales, tel un peintre choisit minutieusement ses couleurs pour décrire, sinon transmettre, ses sensations. On sait que quelques écrits de cette époque prouvent l'intérêt réciproque que se portent alors les beaux-arts et la découverte de l'inconscient en psychanalyse. En effet, bien que les écrits de Freud souffrent de traductions tardives en France, fait dû à la germanophobie que connaissent ses travaux après la défaite française de 1870, puis à l'antisémitisme des années 1920-30, ses préceptes sont néanmoins diffusées, avec ceux de Charcot et Weininger, dans le milieu de l'avant-garde artistique parisienne autour de quelques "passeurs" comme Apollinaire, Jean Cocteau ou Marie Laurencin. Des travaux très postérieurs sur la perception musicale (Images de la musique de cinéma, G. Blanchard, 1984), sur la sémiotique sonore (M. Chion), ou la phénoménologie de la réception de la musique de film (André Souris) emprunteront plus tard la voie tracée par ces premières tentatives d'analyse, un tantinet maladroites, dont figure cet essai de Johannes Weber (Frédéric Gimello-Mesplomb).

Cet ouvrage s'appuie sur les théories communicationnelles et les outils des sciences de l'information et de la communication pour appréhender les dynamiques informationnelles des mondes du jazz français. Il a pour but d'identifier les différents circuits empruntés par l'information ; information qui conduit des communautés à communiquer sur des expériences vécues et perçues, individuellement et collectivement, au sein d'un écosystème structuré et incertain. Appuyé par une enquête ethnographique réalisée à Avignon et à Lausanne, l'auteur revient sur les principes qui guident les choix et les décisions sur le terrain. Il décrit les communications qui s'établissent dans les clubs, les festivals, mais aussi des lieux plus intimes et informels. Cette description du terrain illustre les médiations réalisées au contact des objets musicaux. Elles sont reliées à la coproduction des discours et à leurs insertions culturelles dans des dispositifs multiples observés au cours des années 2000.