La musique à la cour de Louis XV. François Colin de Blamont (1690-1760) : une carrière au service du

Résumé : A partir de son ouverture à la musique en 1803, le prix de Rome devient le sésame convoité par tous les apprentis compositeurs, point final d'une formation généralement suivie au Conservatoire de Paris. Couronnement d'un cursus, ce concours offre à ses lauréats un séjour de perfectionnement à l'Académie de France à Rome, installée sur les hauteurs du Pincio dans la somptueuse Villa Médicis. Les musiciens y côtoient leurs collègues des autres sections (architecture, peinture, sculpture et gravure) durant une période de deux à cinq ans au cours de laquelle ils doivent produire des partitions ? les "envois de Rome" ? destinées à être jugées par l'Institut. Cette opportunité, à première vue extraordinaire, se révèle pour un certain nombre de jeunes gens une contrainte qui les éloigne de Paris au moment où la construction d'un réseau professionnel s'avère capital. Episode souvent décisif dans l'élaboration d'un style personnel, entre fin de formation et début de carrière, le séjour italien concerne la plupart des grandes figures musicales romantiques (Hérold, Halévy, Berlioz, Gounod, Bizet, Massenet ou encore Debussy). La vie quotidienne des pensionnaires, leur production artistique et leurs voyages d'étude ou de loisir interrogent autant leur rapport avec l'Italie elle-même qu'avec les grands mouvements esthétiques européens. La Villa serait-elle simplement la "caserne académique" conventionnelle dont parle Berlioz, ou plutôt une arène animée de confrontations fécondes ? Contestation et transgression y distinguent bien souvent le talent du génie.

Résumé : Cet ouvrage collectif retrace l'évolution du concerto pour piano en France entre l'arrivée de Chopin (vers 1830) et la Première Guerre mondiale.

Aucun travail de recherche n'avait jusqu'à présent proposé une synthèse générale sur la vie et l'oeuvre d'Antoine Dauvergne, mettant en valeur la richesse de sa production et, surtout, son rôle actif à la tête des institutions musicales à la veille de la Révolution française. Le présent ouvrage propose de réparer cette injustice : autour d'une figure qui apparaît désormais essentielle, c'est tout un pan méconnu du Siècle des Lumières qui reprend vie. Violoniste, compositeur, directeur de la musique royale et de l'Opéra, Antoine Dauvergne eut à construire sa carrière au coeur d'une époque complexe, marquée par des querelles esthétiques, des restructurations institutionnelles et des bouleversements sociaux sans précédent dans l'histoire du royaume. Provincial d'origine modeste, c'est à Paris qu'il fait ses premières armes, avant que Versailles ne lui ouvre ses portes. La fin des années 1760 marque l'acmé de son ascension, Dauvergne cumulant des postes prestigieux à la Cour et dans la capitale. Directeur du Concert Spirituel et de l'Académie royale de musique, il renouvelle avec clairvoyance la programmation des salles parisiennes ; compositeur d'opéras et de grands motets, il apparaît comme le digne successeur de Rameau et de Mondonville. Qui d'autre, alors, pouvait prétendre à une telle reconnaissance et à un tel pouvoir ? Dauvergne ne renouvelait-il pas, à un siècle de distance, le modèle lullyste ? Son oeuvre reflète parfaitement les problématiques essentielles du temps. Participant au mouvement de revitalisation de l'ancien répertoire lyrique, Dauvergne se montre l'un des plus actifs à adapter les partitions au goût du jour. Avec dix ans d'avance, il réhabilite les livrets anciens en les remettant en musique. Enfin, il invente de nouveaux genres scéniques appelés à faire les grandes heures du XIXe siècle : l'opéra-comique, la comédie légère et le ballet-pantomime.

Résumé : Né sous l'Ancien Régime, Etienne-Nicolas Méhul (1763-1817) a traversé les tumultes de la Révolution et les ors de l'Empire pour mourir à l'aube de la Restauration. Sa musique est un parfait exemple de Sturm und Drang à la française : classique par ses formes, elle aspire à une nouvelle esthétique, celle de l'expression du sentiment dans toute sa versatilité. Le style de Méhul balaye ainsi une palette de coloris très large, allant de la pompe martiale (Adrien, Horatius Cocles) à l'affliction (Mélidore et Phrosine, Euphrosine), en passant par le religieux (Joseph), le pittoresque (Les Deux Aveugles de Tolède) et même l'exotisme de l'ossianisme, alors en pleine vogue (Uthal). Si Méhul paraît plus à l'aise dans le style tragique, il laisse cependant de nombreux ouvrages légers. A l'occasion du bicentenaire de sa mort, cet ouvrage collectif entend réaffirmer l'importance d'un artiste qui fut aussi membre actif du Conservatoire de Paris et de l'Institut de France. Des facettes encore méconnues de son catalogue y sont mises en lumière, notamment la musique de scène des Hussites, ses quatre ballets-pantomimes ou encore ses symphonies tardives. Des statistiques précises donnent une image exacte de sa présence dans la vie musicale des années 1780-1815. Enfin, l'analyse du regard que portèrent sur lui Berlioz, Cherubini et Castil-Blaze permet d'affiner les spécificités de son génie et les limites de ses expérimentations sonores, et de comprendre comment, de compositeur, il devint symbole.