Mesure et démesure. Un thème, trois oeuvres

Salvatore COSTANZA, "Les oreilles ont dû vous tinter" . Fortune littéraire d'un thème folklorique de Lucien à Proust, RLC LXXXIX, n° 3, juillet-septembre 2015, p. 257-268. On examine ici la fortune littéraire d'un thème folklorique tel que le tintement des oreilles censé être un mouvement fatidique, d'où l'on pouvait tirer des pronostics sur l'avenir des individus. Il faut remarquer que ce motif est toujours employé chez les Grecs, Lucien, Aristhénète et dans la Recherche avec la même fonction. Au coeur d'une affaire amoureuse une femme en tant que médiatrice "révèle" à l'amant tourmenté par la jalousie que sa bien-aimée lui est toujours fidèle, qu'elle a sans cesse parlé de lui, donc les oreilles ont dû lui tinter. Il est intéressant de voir cet argument tiré de la superstition des tintements des oreilles, c'est-à-dire de l'otomancie, chez M. Proust, qui l'emploie toujours pour apaiser les troubles d'un amant abusé. C'est encore une fois le canevas déjà écrit par ses anciens prédécesseurs. Caroline BELOT GONDAUD, La Figure du couple machiavélique. A propos des "couples scélérats" de Shakespeare, Laclos, Barbey d'Aurevilly, Zola, Henry James, James M. Cain, Boileau-Narcejac, Ian McEwan et Ron Rash, RLC LXXXIX, n° 3, juillet-septembre 2015, p. 269-280. La figure du couple machiavélique est présente dans des oeuvres aussi diverses que Macbeth, Les Liaisons dangereuses, Les Diaboliques, The Portrait of A Lady et dans bon nombre de romans policiers. La façon dont la figure est mise en scène, mise en récit, crée une véritable dramaturgie du mal. Le couple machiavélique apparaît bien comme une figure de l'amour et du mal : dans sa version shakespearienne, elle est une réécriture du scénario biblique de la Chute et, dans sa version laclosienne, le marqueur d'une profonde dégradation de l'idéal courtois de l'amour. Mario ZANUCCHI, La Crise du symbolisme. La réception de Baudelaire et Verlaine dans la poésie de Walter Wenghöfer, RLC LXXXIX, n° 3, juillet-septembre 2015, p. 281-298. Le but de cet article est d'étudier la réception de Charles Baudelaire et de Paul Verlaine dans l'oeuvre d'un poète du cercle de Stefan George, qui jusqu'à maintenant a été ignoré par l'historiographie littéraire allemande : Walter Wenghöfer. L'étude de reception est étayée et précisée par l'analyse intertextuelle et intermédiale de poèmes exemplaires. De cette manière, la contribution reconstruit la crise de la poétique symboliste dans la poésie allemande de la "fin du siècle" . En outre, il montre comment Wenghöfer - à travers la dépotentialisation esthétique des figures d'autorité symbolistes - anticipe la critique que l'expressionnisme allemand adresse au symbolisme. Christine QUEFFELLEC, "La vie imite rarement l'Art" : Gemma Bovery, entre Flaubert et Wilde, RLC LXXXIX, n° 3, juillet-septembre 2015, p. 299-308. Gemma Bovery, roman graphique de Posy Simmonds se veut une parodie du roman de Flaubert, Madame Bovary, transposé à la fin du XXe siècle. Le narrateur, séduit par Emma Bovary dont il partage les aspirations romantiques, imagine que le destin de ses voisins, Charlie et Gemma Bovery, va se calquer sur celui des personnages flaubertiens et que la vie va imiter l'art, comme le souhaitait Oscar Wilde. Il s'apercevra qu'il s'est trompé. Ce roman invite à une réflexion sur la lecture et sur les rapports entre la littérature et la vie. L'adaptation cinématographique d'Anne Fontaine infléchit quelque peu le sens de l'oeuvre en conférant au film une unité de ton et de style que l'écrivaine avait voulu briser et en se rapprochant du roman français. Salvatore COSTANZA, "Les oreilles ont dû vous tinter" : the literary fortune of a folkloric theme, from Lucien to Proust, RLC LXXXIX (in French), no. 3, julysept. 2015, p. 257-268. We examine the survival of a folklore theme centered around the observation of buzzing in one's ears. Ringing was considered as a fateful movement and was comprised among the observations for divinatory ends. The relationship between the buzzing in one's ears and the belief that one subsequently became the object of other people's speech appears in Lucian of Samosata (second century A. D.) and in his later revival given by sixth century's epistolographer Aristaenetus. In this respect, a striking parallel is provided in modern French literature by Proust's Recherche. In every case a woman acting as mediator "reveals" someone that his beloved is always true to him and she was endless speaking of him. Consequently, something should have buzzed in his ears. It is interesting to remark, that such an argument drawn from superstition about buzzing in one's ears, that is, otomancy, still recurs in M. Proust with respect to abused lover's troubles. It is clearly the same plot, as his Greek antecedents have already used. Caroline BELOT GONDAUD, The Figure of the Machiavellian Couple, RLC LXXXIX (in French), no. 3, july-sept. 2015, p. 269-280. The figure of the machiavellian couple appears in Macbeth and Les Liaisons dangereuses, Les Diaboliques, The Portrait of A Lady as well as in various detective novels. The way it is told and staged creates a dramaturgy of evil. The Machiavellian couple can be interpreted as a mere figure of love and evil which rewrites, in its Shakespearean version, the biblical narrative of the Fall while the couple of Laclos signals the deep deterioration of the ideal of love in a courtly meaning. Mario ZANUCCHI, The crisis of Symbolism. The reception of Baudelaire and Verlaine in the poetry of Walter Wenghöfer, RLC LXXXIX (in French), no. 3, julysept. 2015, p. 281-298. The aim of this article is to study the reception of Charles Baudelaire and Paul Verlaine in the work of a poet from Stefan George's circle, who has been ignored by the German literary historiography until now : Walter Wenghöfer. The reception study is supported and clarified by the intertextual and intermedial analysis of exemplary poems. In this way, the contribution reconstructs the crisis of symbolist poetics in the German poetry of the < fin du siècle >. Furthermore it shows how through the aesthetic depotentialization of symbolist authorities Wenghofer anticipates expressionist criticism of the symbolist poetics. Christine QUEFFELLEC, "Life rarely imitates Art" : Gemma Bovery between Flaubert and Wilde, RLC LXXXIX (in French), no. 3, july-sept. 2015, p. 299-308. Gemma Bovery, Posy Simonds's graphic novel, is a parody of Flaubert's Madame Bovary, transposed into the end of the 20th century. The narrator, seduced by Emma Bovary, whose romantic aspirations he shares, imagines that his neighbours, Charlie and Gemma Bovery, will experience the same fate as Flaubert's characters and that life will imitate art, in accordance with Oscar Wilde's hopes. He will realize that he was wrong. This novel induces us to reflect on reading and the relationship between literature and life. The film adaptation by Anne Fontaine distorts somewhat the book's meaning, giving a unity of style and tone that the English writer had wanted to break down in order to draw closer to Flaubert's novel.

Ignacio Ramos Gay, La Comédie-Française à Londres (1879) et la quête d'un Théâtre National Anglais (in English), RLC LXXXVII, n° 1, janvier-mars 2013, p. 5-16. Le but de cet article est d'analyser les principes organisateurs de la Comédie Française pendant le dernier quart du XIXe siècle, tels qu'ils furent anatomisés par le critique du journal parisien Le Temps, Francisque Sarcey, dans le discours prononcé au Gaiety Theatre à l'occasion de la visite de la troupe française à Londres en 1879. On s'attardera, dans un premier temps, aux facteurs clés ayant contribué à faire de la compagnie, selon l'expression de Sarcey, un "ensemble parfait" conjuguant l'excellence sur scène avec une structure économique fondée sur la distribution démocratique des revenus et les subventions du gouvernement. Deuxièmement, on analysera l'impact de la Comédie-Française chez ses homologues britanniques, en faisant attention particulièrement à leur volonté d'utiliser la troupe française en tant que modèle d'un Théâtre National afin d'améliorer la qualité de l'art dramatique anglais. Philippe Chardin, La Conscience de Zeno ou le livre blanc-noir de la psychanalyse, RLC LXXXVII, n° 1, janvier-mars 2013, p. 17-31. Le grand roman d'Italo Svevo, cette oeuvre extraordinairement lucide à une date précoce sur les réussites et sur les échecs de la psychanalyse, sera relu ici à la lumière des vigoureux affrontements récents entre les adversaires de la psychanalyse et ses défenseurs. La structure narrative du livre d'Italo Svevo est si subtile et si retorse que les uns et les autres peuvent se sentir confortés par cette lecture. Mais c'est sans doute la découverte des pouvoirs concurrents de la littérature de la mémoire qui représente à la fin de La Coscienza di Zeno le véritable dépassement de cette querelle autour de la psychanalyse. Marc BOURDEILH, De l'Argentine à l'expatriation : Juan Rodolfo Wilcock, Silvia Baron Supervielle, entre continuité et rupture, RLC LXXXVII, n° 1, janvier-mars 2013, p. 33-47. Pour des raisons liées à son Histoire, l'Argentine compte nombre d'auteurs expatriés, entre autres Juan Rodolfo Wilcock (1919-1978) en Italie ou Silvia Baron Supervielle en France. Habiles traducteurs, polyglottes, tous deux ont commencé leur itinéraire littéraire en Argentine et en espagnol avant de le poursuivre sur un autre continent et dans une autre langue. L'article montre que si Wilcock tourna la page de l'époque argentine et de l'espagnol, à l'inverse S. Baron Supervielle demeure attachée à sa langue maternelle et à son pays natal, constante source d'inspiration littéraire. Marco Maggi, "Un semplice lume". Reflets de Dante (Caproni, Celan), RLC LXXXVII, n° 1, janvier-mars 2013, p. 49-61. Entre aveu d'impuissance et ambition de signifier la vision béatifique, dans le semplice lume ("simple lueur") du dernier chant du Paradis Dante nous donne l'image définitive de sa poésie. Comme d'habitude, ce sont les poètes qui en fournissent l'exégèse la plus profonde. Au XXe siècle, dans leurs réécritures de ce vers de la Divine Comédie, Giorgio Caproni et Paul Celan soulignent le drame de la parole qu'y est impliqué. C'est ainsi qu'une très ancienne tradition herméneutique de la conclusion du grand poème de Dante, abîmée pendant des siècles, émerge de nouveau. Peter Morgan, Traduire le monde : la littérature reconnectée de Goethe à Gao (in English), RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 63-79. Les études littéraires sont en crise. Les paradigmes nationaux, en tant que structures permettant d'organiser la recherche en littérature, ont fait leur temps, et le cadre institutionnel des études littéraires se fait de plus en plus comparatiste et mondial. En réponse à ces changements, nous assistons à une nouvelle convergence entre les universitaires et spécialistes de la littérature, et le "monde vécu" des lecteurs et écrivains, placée sous le signe de la "re-connexion" . La question du langage et de la traduction, et non celle de la nation et de l'identité, est devenue source de développements approfondis pour les études littéraires. Les réflexions séminales de Johann Wolfgang Goethe sur la "Weltliteratur" , au même titre que les considérations plus récentes de l'écrivain et intellectuel chinois, Gao Xingjian, fournissent un modèle pour penser le changement dans l'enseignement et l'étude de la littérature au sein des études littéraires contemporaines à l'échelle mondiale. English version Ignacio Ramos Gay, The Comédie-Française in London (1879) and the Call for an English National Theatre, RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 5-16. This paper explores the principles governing the functional structure of the Comédie-Française during the last quarter of the century, as described by the Parisian critic of the Temps, Francisque Sarcey, in his address delivered at the Gaiety Theatre in 1879. I will examine the key factors that made the French company, in Sarcey's words, a perfect acting "ensemble" that combined high aesthetic concern with the financial advantages of democratic profit-sharing and government subsidies. Secondly, I will attend to the reactions of the French company's English counterparts, and their focus on consolidating a National Theatre committed to the Maison de Molière in the interest of elevating the artistic expertise of native dramatic art. Philippe Chardin, Zeno's Conscience or the Black-White Book of Psychoanalysis (in French), RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 17-31. Italo Svevo's great novel, an extraordinarily lucid book for its time about successes and failures of psychoanalysis, will be reread here in view of recent struggles between opponents of psychoanalysis and its defenders. The narrative structure of Italo Svevo's novel is so subtle and so twisted that each and every one can feel reassured by this reading. However, no one can doubt that it is, at the end of La Coscienza di Zeno, the discovery of competitive powers of remembrance in literature which truly overcomes the quarrel about psychoanalysis. Marc BOURDEILH, From Argentina to expatriation : Juan Rodolfo Wilcock, Silvia Baron Supervielle, between continuity and break (in French), RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 33-47. For historical reasons, Argentina has many expatriate writers, among others Juan Rodolfo Wilcock (1918-1978) who went to Italia or Silvia Baron Supervielle to France. Talented translators, polyglots, both of them have begun their literary path in Argentina, writing in Spanish before going on their way on another continent, using another language. The article shows that Wilcock turned the Argentinian page and didn't use any more Spanish, while Silvia Baron Supervielle is still attached to her mother tongue and to her native soil, constant source of literary inspiration. Marco Maggi, "Un semplice lume". Echoes of Dante (Caproni, Celan) (in French), RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 49-61. Between confession of powerlessness and ambition to signify the divine vision, the semplice lume ('simple lamp') of Paradise's last canto is the ultimate image of Dante's poetry. As it always happens, the most profound interpretation of it comes from the poets. In the XXth Century, in their re-writings of this verse from the Divine Comedy, Giorgio Caproni and Paul Celan highlight the drama of the word it supposes. With this, a very ancient hermeneutical tradition about the conclusion of Dante's poem, forgotten since centuries, appears anew. Peter Morgan, Translating the World : Literature and Re-Connection from Goethe to Gao, RLC LXXXVII, n° 1, jan. -march 2013, p. 63-79. Literary scholarship is in a state of crisis. The national paradigms have outlived their usefulness as the organizing structures for literary scholarship, and the institutional framework for literary study is becoming comparative and global. In response to these changes we are witnessing a new convergence between academic practitioners of literary studies and their "lifeworld" of readers and writers under the rubric of "re-connection. " Issues of language and translation rather than of nation and identity have become indicative of broader developments in literary studies. The seminal reflections of Johann Wolfgang Goethe on "Weltliteratur" together with the more recent considerations of the Chinese writer and intellectual, Gao Xingjian, provide models for change in the teaching and study of literature in contemporary global literary studies.

Véronique GELY, Partages de l'Antiquité : un paradigme pour le comparatisme, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?387-395. La crise de l'humanisme, les études postcoloniales et les études de genre ont convergé pour déconstruire l'"?incomparable ?" exemplarité des Anciens grecs et latins, et l'idée que l'Europe ou l'Occident seraient leurs héritiers privilégiés. En les défamiliarisant et en les déterritorialisant, elles ont fait d'eux des cas d'école pour l'épistémologie du comparatisme. Elles conduisent à repenser la valeur d'universalité auparavant associée aux "?mythes ?" et aux "classiques" , et à proposer de fonder le comparatisme sur la notion de partage, dans ses deux acceptions : séparation et répartition. Daniel-Henri PAGEAUX, Permanence et métamorphoses de la culture classique au Nouveau Monde, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?397-410. La présence des lettres et de la culture classiques n'intéresse pas seulement les siècles "?coloniaux ?" pendant lesquels l'usage du latin et dans une moindre mesure le grec se manifeste dans l'enseignement et en poésie, épique ou lyrique. L'abondance des références classiques, en particulier mythologiques, illustre un état de dépendance culturelle par rapport à l'ancien monde. Mais cette situation se poursuit au long du XIXe ?siècle, avec la persistance d'une tradition "?néo-classique ?", en particulier en poésie, et elle survit au XXe ?siècle dans l'imaginaire de certains écrivains. Ont été retenus Alfonso Reyes, nourri de culture hellénique, Alejo Carpentier et Jorge Luis Borges. La permanence d'une tradition humaniste est donc évidente, mais elle n'exclut évidemment ni les altérations ni les métamorphoses. Elena Langlais et Claudine Le Blanc, Conflit de classiques, et au-delà? : déterritorialisations indiennes des classiques grecs et latins (M. M. ?Dutt, Meghnâdbadh Kâbya ?; Aurobindo, Love and Death, Ilion, Perseus the Deliverer), RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?411-427. Pourquoi avoir recours aux classiques grecs et latins quand on dispose de ses propres classiques ?? Comme le révèle de façon exemplaire l'oeuvre de Michael Madhusudan Dutt et de Sri Aurobindo, l'usage des classiques gréco-latins dans l'Inde sous domination britannique a donné lieu à une confrontation complexe avec les classiques indiens. Par-delà le geste d'appropriation du patrimoine du vainqueur qu'ils partagent avec d'autres sujets des empires coloniaux européens, Dutt et Aurobindo mettent en oeuvre une écriture à double détermination dont la visée est une comparaison critique, mais aussi un dépassement des déterminations. Alexis TADIE, La littérature classique selon Salman Rushdie, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?429-440. Cet article se penche sur l'utilisation par Salman Rushdie de références à la littérature classique dans ses romans, afin d'explorer le rôle que peuvent jouer les références classiques dans la littérature postcoloniale. Apulée, Ovide, Lucrèce sont de fait d'importants points de passage dans Les Versets sataniques ainsi que dans La Terre sous ses pieds. C'est le pouvoir régénérateur des mythes, leur capacité à interpréter le monde contemporain qui apparaît ici. Mais c'est aussi un rapport à l'histoire et au temps, à l'Empire, que l'utilisation de la référence classique permet de repenser. C'est enfin la plasticité protéenne des mythes anciens qui les rend essentiels. Véronique Porra, Sur quelques Orphée noirs. Reproduction, adaptation et hybridation du mythe d'Orphée en contexte post(-)colonial, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?441-455. Le texte de Jean-Paul Sartre "?Orphée noir ?" [1948] ouvre et marque de son empreinte l'adaptation du mythe d'Orphée comme grille de lecture de l'émergence et de la célébration des voix poétiques "?nègres ?". Ainsi le film Orfeu negro [1959] de Marcel Camus, qui transpose ce motif dans le Rio des années 1950, est-il très éloigné du traitement du mythe dans la pièce de Vinicius de Moraes Orfeu da Conceição [1953/56] dont il prétend s'inspirer. Le placage sur le contexte brésilien de la structure binaire élaborée par Sartre pour expliquer la prise de parole de la négritude, crée un décalage que Carlos Diegues tentera, en 1999, de corriger dans son film Orfeu. De leur côté, des auteurs africains livreront, à partir des années 1970, des oeuvres dans lesquelles ils procèderont à une appropriation du mythe antique. Le roman Orphée Dafric [1981] de l'auteur camerounaise Werewere Liking livre une illustration des procédés d'hybridation caractéristiques des esthétiques postcoloniales, avec tout ce que cela implique de déconstruction du récit mythique initial. Patrice D. Rankine, Black is, black ain't : la réception des classiques et le néant chez Ralph Ellison, Derek Walcott et Wole Soyinka (in English), RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?457-474. L'association de l'Europe avec la lumière et de l'Afrique avec l'obscurité est tellement ancrée dans la pensée occidentale qu'elle a acquis une forme de pérennité ontologique. Dès lors que l'on évoque des personnes d'origine africaine, le fait d'imposer ce type d'images sur la description de corps leur donne une forme d'existence. L'une des façons dont les auteurs postcoloniaux se sont confrontés à la modernité occidentale est de faire retour vers certains aspects de l'Antiquité classique, parfois présents, bien que refoulés, qui perturbent la dichotomie rassurante entre lumière et obscurité, bien et mal, blanc et noir. Fondé sur une analyse philosophique en profondeur de l'ontologie heidegerrienne de Levinas, cet article examine la façon dont Ralph Ellison, Wole Soyinka et Derek Walcott se penchent sur les points sensibles de la tradition classique occidentale pour en extraire du sens. Ce sont, respectivement, les enfers virgiliens sombres, mais créatifs, le chaos générateur de Dionysos, l'Ogun de Soyinka, et le désordre constructif des ruines antiques, qui sont comme la mer. Ceci n'implique pas que chaque auteur soit noir, du point de vue de son identité sociale, mais plutôt que "?l'obscurité de la lumière ?" constitue une réponse phénoménologique au chaos et à l'ordre, à la nation et à la signification artistique. Virginie Soubrier, Une nouvelle Renaissance ?? Les auteurs dramatiques postcoloniaux ?et l'héritage grec au tournant du XXIe siècle, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?475-486. Dans la lignée du congolais Sony Labou Tansi (1947-1995) qui exprimait au début des années 1980 son refus de "?fouiller dans le culte de Dionysos ?", les auteurs de théâtre postcoloniaux, au tournant du XXIe siècle, ont définitivement rompu avec les modèles occidentaux, avec l'héritage grec en particulier. Leurs écritures, nourries d'inspirations multiples, participent à l'émergence d'une nouvelle Renaissance où la tragédie grecque entre désormais en résonance avec le jazz. Kevin J. Wetmore, Jr. , Peau noire, masques grecs ? : les réceptions des classiques, la réception de la race et l'identité afro-américaine sur la scène tragique (in English), RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?487-493. La diaspora africaine privilégie deux types d'approches vis-à-vis des textes de l'Antiquité? : l'adaptation textuelle ou le casting non-traditionnel. Cette dernière fut ignorée par la critique canonique, mais apparut dans les débats au sein du théâtre américain. En proposant un débat sur les castings qui ne tiennent pas compte de la couleur de la peau, et en reprenant les idées de Fanon à propos du "?jouer blanc ?" dans la culture africaine, cet article explore brièvement la façon dont le casting d'acteurs de couleur pour jouer dans des tragédies grecques efface l'ethnicité, ou alors utilise cette ethnicité pour mettre au premier plan des questions de politique, de pouvoir et de race. Crystel Pinçonnat, Le complexe d'Antigone. Relectures féministes et postcoloniales du scénario oedipien, RLC LXXXVI, n°?4, octobre-décembre 2012, p. ?495-509. "?Que serait-il arrivé si la psychanalyse avait pris Antigone et non Odipe pour point de départ ???", écrit Judith Butler dans Antigone ? : la parenté entre vie et mort (Antigone's Claim ? : Kinship between Life & Death, 2000). A partir de cette réflexion, on tente aujourd'hui de repenser l'architecture freudienne du drame oedipien pour privilégier en son sein la figure d'Antigone et inverser la tendance historique qui, depuis la fin du XVIIIe et le début du XIXe siècle, a voulu, selon George Steiner, qu'"?Odipe supplante Antigone. ?" L'article poursuit ce travail de révision et propose une lecture de certains textes d'Assia Djebar, de Linda Lê et de Zahia Rahmani, romancières d'expression française dont l'imaginaire est puissamment marqué du sceau de la colonisation. L'oeuvre de chacune est hantée par le complexe d'Antigone ?; il donne corps à une condition historique aux retombées familiales tragiques. Abstracts Véronique GELY, Sharing Antiquity : A Paradigm for Comparative Literature (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?387-395. The crisis of humanism, postcolonial studies and gender studies have converged to deconstruct the "incomparable" exemplarity of the Ancient Greek and Latin authors, and the idea that Europe or the Western world were their privileged heirs. By defamiliarizing and deterritorializing them, they have raised them to the status of textbook examples for the epistemology of comparative studies. They invite us to rethink the value of universality which was previously associated with "myths" and the "classics", suggesting to ground comparative literature in the notion of partage-in both senses of dividing and sharing. Daniel-Henri PAGEAUX, Permanence and change of classical culture in the new world (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?397-410. The presence of classical literature and culture does not only concern the "colonial" centuries when the use of Latin, and to a lesser extent, that of Greek, manifests itself in the scholastic programs and in poetry, be it epic or lyrical. The abundance of classical references, and in particular, mythological references, illustrates this state of cultural dependence towards the old world. But this situation continues throughout the 19th century, with the persistence of a "neo-classical" tradition, and it survives during the 20th century in the imaginary of certain writers, such as Alfonso Reyes, steeped in Hellenic culture, Alejo Carpentier and Jorge Luis Borges, whom we have chosen to study in this article. Though striking, the persistence of a humanistic tradition, of course, does not exclude alterations or metamorphoses. Elena Langlais and Claudine Le Blanc, Clash of Classics, and Beyond : Indian Deterritorialisations of Greek and Latin Classics (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?411-427. What's the point in using Greek and Latin classics, when you have your own ? As exemplified by the works of Michael Madhusudan Dutt and Sri Aurobindo, the use of Greek and Latin Classics in colonial India took the shape of a complex encounter with Indian classics. Beyond the assimilation of the master's canon also made by other indigenous writers of European colonial empires, Dutt and Aurobindo set up a two-determination writing in order to draw a critical comparison, but also to go beyond any kind of determination. Alexis TADIE, Salman Rushdie and the uses of classical literature (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?429-440. This essay takes its starting point in Salman Rushdie's use of references to classical literature in his novels, in order to explore the role that classical references can play in postcolonial literature. Apuleus, Ovid, Lucretius are important authors for The Satanic Verses or for The Ground Beneath Her Feet. This brings to light the ability of myths to renew interpretations and to interpret the contemporary world. References to classical literature enable writers to rethink the relationship of literature to History, and to Empire. The metamporphic power of ancient myths is finally highlighted. Véronique Porra, About a few Black Orpheuses. Reproduction, Adaptation and Hybridation of the Orpheus Myth in (Post-)Colonial Context (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?441-455. Jean-Paul Sartre's text "Orphée noir" (1948) opens up and profoundly shapes the adaptation of the myth of Orpheus as an interpretive frame of the emergence and celebration of black poetic voices. Thus, Marcel Camus' film Orfeu negro (1959), which transposes the motif to the Rio of the 1950s, is a far cry from the treatment of the myth in Vinicius de Moraes' play Orfeu da Conceição (1953/56) by which it claims to have been inspired. The imposition of the binary structure-?devised by Sartre to explain the rise of the negritude movement-on the Brazilian context engenders a mismatch which Carlos Diegues attempts to remediate in his 1999 film Orfeu. Since the 1970s, African authors create works in which they appropriate the ancient myth. The novel Orphée Dafric (1981) by Cameroonian author Werewere Liking illustrates the practice of hybridation which is characteristic of postcolonial aesthetics, and which implies the deconstruction of the initial mythical narrative. Patrice D. Rankine, Black is, black ain't : Classical Reception and Nothingness in Ralph Ellison, Derek Walcott, Wole Soyinka, RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?457-474. The associations of Europe with light and Africa with darkness are so indelible to Western thinking as to have acquired the permanence of ontology. When it comes to persons of African descent, the imposition of this language onto descriptions of bodies creates a certain kind of thing in the world. One way that postcolonial authors have come to terms with Western modernity is to return to certain aspects of the classical past, sometimes available yet repressed, that unsettle the easy dichotomy between light and dark, good and evil, white and black. Based in deeper philosophical analysis of Levinas' Heideggerian ontology than mere words, this paper examines how Ralph Ellison, Wole Soyinka, and Derek Walcott turn to the underbelly of the Western classical tradition for meaning. Respectively, these are the dark but creative Underworld of Homer and Vergil ?; the generative chaos of Dionysus, Soyinka's Ogun ; and the constructive disorder of classical ruins, which are like the sea. This is not to say that each author is black, in the sense of social identity. Rather, the "darkness of light" is a phenomenological response to chaos and order, nation and artistic meaning. Virginie Soubrier, A New Renaissance ? Postcolonial Playwrights and Greek heritage in the early 21th century (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?475-486. In the early eighties, the Congolese Sony Labou Tansi (1947-1995) said he refused to "dig into the religion of Dionysus". From the nineties until today, postcolonial dramatists have parted with western schemes, including the Greek heritage in particular. At the crossroads of different sources of inspiration, their works pave the way for a new Renaissance, where jazz and Greek tragedy blend their shapes and sounds. Kevin J. Wetmore, Jr. , Black Skin, Greek Masks : Classical Receptions, Race Reception, and African-American Identity on the Tragic Stage, RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?487-493. There exist two forms of African diasporan approaches to classical texts : textual adaptation or nontraditional casting. The latter has been ignored in classical scholarship, but not in debates in the American theatre about nontraditional casting. Engaging the debate on colorblind casting and employing Fanon's ideas on "playing white" in black culture, this essay briefly considers how casting of actors of color in Greek tragedy either erases ethnicity or uses that ethnicity to foreground issues of politics, power and race. Crystel Pinçonnat, The Antigone Complex. Feminist and Postcolonial Rereadings of the Odipus Complex (in French), RLC LXXXVI, no ?4, october-december 2012, p. ?495-509. "What would have happened if psychoanalysis had taken Antigone rather than Odipus as its point of departure ?", writes Judith Butler in Antigone's Claim : Kinship between Life & Death (2000). This move "beyond Odipus" has inspired new readings of the Freudian architecture of the Odipal drama. They usually coincide with the re-emergence of Antigone as a crucial figure, thus reversing the historical trend, which-since the end of 18th and the beginning of the 19th century-wants that "Odipus supplants Antigone" (George Steiner). Continuing this revision, the article examines, from this perspective, different texts by Assia Djebar, Linda Lê and Zahia Rahmani, novelists whose imaginary is strongly marked by colonization. Their work, written in French, is haunted by Antigone's complex, which gives substance to a specific historical condition with tragic family repercussions.

Christophe Corbier, Nietzsche, Brecht, Claudel : Roland Barthes face à la tragédie musicale grecque, RLCLXXXIX, n°1, janvier-mars 2015, p. 5-28. Du mémoire philologique de 1941 consacré aux scènes d'évocation et d'incantation dans la tragédie grecque jusqu'à l'analyse structuraliste du "théâtre grec" en 1965, Roland Barthes s'est régulièrement penché sur la tragédie musicale des Grecs afin de réfléchir au statut de la musique dramatique. Notre intention est donc d'étudier conjointement le théâtre et la musique dans une partie de l'oeuvre de Barthes avant 1968 et de montrer comment la tragédie grecque a constitué pendant près de trois décennies une référence constante, quoique méconnue. Barthes a en effet engagé très tôt un dialogue avec Nietzsche, avant de recevoir la révélation de Brecht ; mais il s'est aussi intéressé à Claudel, dont l'Orestie offre selon lui un modèle pour les représentations contemporaines de tragédie grecque, en dépit de la discontinuité fondamentale entre la Grèce antique et l'époque moderne. La théâtralité, le dionysiaque, le choeur, le rôle de la musique dramatique constituent alors autant de problèmes que l'auteur de Sur Racine analyse à plusieurs reprises entre 1941 et 1965, dans une perspective non aristotélicienne et antiromantique. Dimitri TOKAREV, Les illuminations d'un Rimbaud russe : Boris Poplavsky et son Journal d'Apollon Bézobrazov, RLCLXXXIX, n°1, janvier-mars 2015, p. 29-50. L'article est consacré aux échos de l'oeuvre de Rimbaud et surtout des Illuminations dans les poèmes en prose du poète et écrivain russe émigré Boris Poplavsky (1903-1935). Poplavsky, figure emblématique de la nouvelle génération des écrivains émigrés dite la "génération inaperçue" , était très sensible aux influences étrangères et voyait dans la personne de Rimbaud une parfaite incarnation de la poésie française qu'il essaya d'égaler en composant son Journal d'Apollon Bézobrazov. Atinati Mamatsashvili, Le signe de l'historicité dans la transformation de la parole poétique en acte poétique chez Francis Ponge et Giorgi Léonidzé, RLCLXXXIX, n°1, janvier-mars 2015, p. 51-64. Notre article se construit autour des textes poétiques conçus dans un espace politico-historique dissemblable. Dans Le Carnet du Bois de pin (1940) Francis Ponge aborde un objet qui ne comporte, à première vue, aucun signe distinctif historique, mais donne néanmoins lieu à l'émergence d'une temporalité déterminée. Le procédé adopté par Ponge fait écho à celui de Giorgi Léonidzé, poète symboliste géorgien (L'Arbre, 1931). Ce qu'on vise par ladite étude, c'est de démontrer par quels moyens méthodologiques et conceptuels le texte littéraire arrive à s'affranchir de l'historicité pour devenir pur texte poétique, tout en constituant, néanmoins, dans cet état même, le texte politique. Céline Roussel, Quand l'aveugle prend sa plume : dialectiques d'une écriture aveugle de soi, RLCLXXXIX, n°1, janvier-mars 2015, p. 65-76. L'article "Quand l'aveugle prend sa plume : dialectiques d'une écriture aveugle de soi" se propose d'examiner, à la lumière de réflexions de Derrida, les implications de la cécité sur l'écriture d'une oeuvre intime à partir de The Story of My Life de Helen Keller et de On Sight and Insight : A Journey into the World of Blindness de John M. Hull. Comment écrire, au sens le plus concret du terme, lorsqu'on ne voit pas ?? Qu'advient-il de cette texture, de cette corporéité donnée au texte grâce au braille lorsque l'oeuvre est publiée sous forme d'un livre ordinaire en noir et blanc ?? Les divers dédoublements que subit l'acte d'écriture ont une influence sur la proximité de l'auteur aveugle avec son oeuvre autobiographique, qui oscille entre le visible et l'invisible, le matériel et l'immatériel. Abstracts Christophe Corbier, Nietzsche, Brecht, Claudel : Roland Barthes on Greek Musical Tragedy, RLCLXXXIX (in French), no. 1, jan. -march 2015, p. 5-28. In this paper, we will study the relation between music and theater in a few texts of Roland Barthes, particularly his philological dissertation about Greek tragedy (1941), "Pouvoirs de la tragédie antique" (1953) and "Le théâtre grec" (1965). Firtsly, we will show how the concept of "théâtralité" is partially constructed on the basis of Barthes' interpretation of Aeschylean tragedy. Then, the prominent figure of Aeschylus leads him to a dialogue with Nietzsche, Brecht and Claudel, whose Orestie, written in the beginning of the twentieth century with Darius Milhaud, was always a model for Barthes. The French theoretician is interested in three main issues : music and its effects, Dionysius and the Dionysian, the chorus. After Nietzsche and Brecht, he proposes a non Aristotelian and anti-Romantic analysis of Greek tragedy ; therefore, this analysis could be compared to the contemporary researches of such Hellenists as George Thomson or Jean-Pierre Vernant. Dimitri TOKAREV, The illuminations of a Russian Rimbaud : Boris Poplavsky and his Journal of Apollo Bezobrazov, RLCLXXXIX (in French), no. 1, jan. -march 2015, p. 29-50. The article is devoted to the echoes of Rimbaud's oeuvre and especially the Illuminations in the prose poems by the Russian émigré poet and writer Boris Poplavsky (1903-1935). Poplavsky, an emblematic figure of the new generation of émigré writers known as the "unnoticed generation", was very sensible to foreign influences and considered Rimbaud as a perfect incarnation of the French poetry which he tried to match in his Journal of Apollo Bezobrazov. Atinati Mamatsashvili, The Sign of Historicity in the Transformation of the Poetic Word into the Poetic Act : Francis Ponge and Giorgi Léonidzé, RLCLXXXIX (in French), no. 1, jan. -march 2015, p. 51-64. Our article focuses on the poetic texts conceived in dissimilar politico-historical spaces. In the Le Carnet du Bois de pin (1940) Francis Ponge approaches an object which contains, at first sight, no historically distinguishing feature, but which nonetheless gives rise to the emergence of a definite temporality. The process adopted by Ponge echoes that of Giorgi Léonidzé, Georgian symbolist poet (The Tree, 1931). The purpose of this study consists in demonstrating by which methodological and conceptual means the literary text arrives to get over the historicity in order to appropriate the notion of the pure literary text, constituting, nevertheless, the political writing. Céline Roussel, When the blind take up their pens : the dialectics of a blind person'sautobiography, RLCLXXXIX (in French), no. 1, jan. -march 2015, p. 65-76. The article "When the blind take up their pens : the dialectics of a blind person's autobiography" seeks to examine, building on Derrida's analysis, the implications of blindness on the writing of an intimate work, taking The Story of My Life by Helen Keller and On Sight and Insight : A Journey into the World of Blindness by John M. Hull as its starting point. How can one write, in the most basic sense of the term, without being able to see ? What becomes of the texture, of the physical embodiment of a text written in braille, when the work is published as an ordinary book in black and white ? The various transformations which the act of writing undergoes have an influence on the proximity of the blind author to his autobiographical work, which fluctuates between the visible and the invisible, the tangible and the intangible.