Epoque Contemporaine XIXe - XXIe siècle

Résumé : A Paris, dans les années quatre-vingt, un homme célèbre, un maître à penser, meurt dans son appartement. Le difficile n'est pas de mourir, mais de passer dignement à l'immortalité. Or, ceux qui ne sont plus - et même s'ils furent illustres et écrivains - s'en remettent aux survivants : des femmes, épouses et maîtresses qui se souviennent mal, ou se souviennent trop d'avoir été des personnages dans la vie du défunt ; des amis, confrères, disciples, journalistes, qui consentent à sa grandeur autant qu'elle les rehausse ou les avantage ; des parents enfin qui pleurent les larmes ambiguës des héritiers. Et voilà toute une grandeur qui se défait avant même que ne se décompose le corps de celui qui s'était cru, peut-être, protégé du néant.

Attitude esthétique anxieuse de régénérer l'art en le ressourçant dans les cultures dites primitives, le primitivisme a été surtout cantonné à l'influence de l'Afrique, de l'Océanie sur les avant-gardes du XXe siècle et principalement sur le cubisme en France. Le présent ouvrage propose une interprétation du phénomène moins finaliste et plus culturelle, en replaçant d'abord cette quête dans le vaste mouvement de découverte et d'interrogation sur les origines de l'art lié aux premiers développements de la préhistoire. Ce faisant, ce mythe du retour, vécu comme la nostalgie d'un art immédiat, sans principe ni académie, à l'état de nature, remonte en France beaucoup plus tôt que ne pourrait le faire croire le fameux culte de l'art nègre à la veille de la Première Guerre Mondiale. Il fait son apparition au lendemain du conflit de 1870, avec les débuts de Gauguin et, propageant une aspiration au sacré et à une plus grande rigueur plastique, se nourrit de sources très variées empruntées non seulement à l'Afrique ou à l'Océanie mais aussi à l'Age de la Pierre, au Moyen Age, aux Celtes, aux Japonais. A la suite de Gauguin, Van Gogh, Matisse, Derain, Maurice Denis, Delaunay et bien d'autres ont communié tour à tour dans cette tentation rétrospective et cette recherche d'un «âge d'or» mais pour en tirer des leçons et des perspectives bien différentes.

Résumé : Picasso est l'un des artistes les plus brillants de sa génération : extrêmement prolixe, il s'est adonné à de multiples techniques différentes, de la peinture à la sculpture, en passant par la céramique ou la tapisserie et bien sûr l'illustration sous toutes ses formes ? dessin, lithographie, gravure, en petits et en grands formats, en couleur et en noir et blanc... Ce travail d'illustration forme un ensemble hétéroclite et protéiforme, représentatif de son oeuvre toute entière. Picasso a collaboré sa vie durant à un grand nombre de livres illustrés ? et pourtant, cette activité est restée bizarrement assez peu connue. Amateur de livre et d'écriture, de mots et de jeux graphiques, Picasso a rencontré de nombreux auteurs de son temps : Apollinaire, l'un des ses compagnons les plus proches, mais aussi Max Jacob, André Breton, Paul Eluard, René Char, Pierre Reverdy parmi les plus connus. Il a aussi illustré des grands classiques, comme Ovide, Aristophane, Buffon, Balzac ou Mérimée. Enfin, il a collaboré à des ouvrages de tauromachie, sa grande passion, ainsi qu'à des revues littéraires et artistiques ou à certains journaux, notamment communistes en raison de son engagement politique. A travers ces illustrations, c'est finalement toute la palette de Picasso qui apparaît depuis les inspirations cubistes, africaines, surréalistes jusqu'à un expressionnisme ludique, cocasse et provocateur...

Que faut-il entendre par "art" au XXe siècle? Matisse ou Godard, Braque ou Brassaï, Duchamp ou Laurens? Faut-il y inclure les "naïfs", les "fous", les statues "nègres" et les "poupées" hopi? L'histoire de l'art, quand elle écrit le mot au singulier, le prend pour l'abréviation de "beaux-arts", au sens que la tradition académique assigne a la formule. Or il faut l'écrire au pluriel, car il est prudent de ne pas prétendre savoir ce gui est "de" l'art au XXe siècle, ce qui n'en est pas, ou plus, ou pas encore.