Corps social. Edition bilingue français-anglais

Catalogue monographique consacré à l'artiste Noël Dolla

Résumé : Pendant les années 1960, et jusqu'à la fin des années 70, de nombreux artistes à travers le monde s'interrogent sur une question devenue pour eux centrale : la peinture est-elle encore possible ? Cette interrogation se développe dans le contexte idéologique particulier de l'époque, baigné de marxisme, où le statut lui-même d'artiste est interrogé, souvent en termes d'engagement politique. Et chacun réagit à sa manière. A travers dix chapitres, ce livre expose les différentes réponses qu'ont données les artistes : ceux qui ont changé de médium, comme Martin Barré en France, ou ailleurs les membres du groupe Art and Language ; ceux qui ont arrêté toute pratique artistique pendant quelques années, comme Agnes Martin ou Michel Parmentier, voire de façon définitive comme Lee Lozano, Charlotte Posenenske ou Eugen Schönebeck. Mais la plupart de ceux qui avaient arrêté la peinture y ont revenus à partir du début des années 1970, comme on peut le voir dans les parcours qui sont retracés ici - dont ceux d'artistes parfois encore vivants. Si aujourd'hui le contexte idéologique a changé, avec le reflux des engagements politiques, un nouveau rapport au marché, il n'est pas inutile d'analyser cette mise en suspension de la peinture pendant près de vingt ans - comme un spectre que l'époque aurait voulu mettre de côté -, qui se révèle un moment riche et complexe dans l'histoire de l'art contemporain.

La photographie a été inventée pour reproduire et produire de la profondeur. Certains s'en sont pourtant servi pour créer des images plates, tant du point de vue spatial (l'image s'y présente avant tout comme une surface bidimensionnelle), que temporel (la durée y est suspendue sans suggérer la moindre amorce de narrativité) ou sémantique (la signification ne s'y annonce pas comme étant à déchiffrer, mais semble se donner d'emblée comme neutralisée). Bien entendu, ces images peuvent être le fruit d'un simple hasard. Elles n'existent alors que de manière isolée, et seul notre regard rétrospectif y remarque cette particularité. Mais parfois, chez certains auteurs ou artistes, elles deviennent une part importante, voire majoritaire, de la production et c'est l'oeuvre tout entier qui est affecté. Il est ainsi possible de tracer une histoire de la photographie plate, suivant une généalogie souterraine qui va du début du XIX ? siècle à celui du XXI ? siècle, des portraits anthropométriques d'Alphonse Bertillon aux grandes photographies d'identité de Thomas Ruff, des images sans distance de Paul Strand aux pures surfaces de Philippe Gronon, des architectures de style documentaire de Walker Evans aux monuments paradoxaux des Becher ou de Lewis Baltz.

Introduite depuis peu dans les programmes scolaires du secondaire, l?histoire de l?art provoque de vives polémiques dans le monde enseignant. Pourtant les enjeux sont importants, nous rappelle Eric de Chassey. Le livre se divise en trois chapitres : ?La discipline?, ?L?école?, ?La société?, partant d?une problématique d?enseignement, analysant ses enjeux sur le terrain de l?école et suivant le débat au sein de la société, l?école étant le miroir de celle-ci. Car l?histoire de l?art n?est pas la nostalgie d?un passé poussiéreux mais analyse ce dernier pour faire comprendre le présent. Et plus que jamais les élèves, les citoyens ont besoin de ce type de repères sans quoi le monde contemporain leur paraîtra abscons. Quand il trace un historique de la discipline, Eric de Chassey insiste sur l?importance matérielle de l?objet d?art et sur la nécessité de le placer dans une perspective chronologique pour le comprendre. En ce sens, l?histoire de l?art appelle le double point de vue de l?esthétique et de l?Histoire. A travers une kyrielle d?exemples passionnants et à la portée de tous, Eric de Chassey démontre que la perception d?un objet est historiquement et culturellement constituée. Par ailleurs, il met en garde contre l?angélisme du ?choc esthétique?, problématique au centre des questions que se posent les élèves et les étudiants. L?étude oblige à un décentrement et à une recontextualisation. Le savoir ne contredit en rien l?émotion, insiste Eric de Chassey, mais la beauté est exigeante. Il faut donc s?informer sur le contexte de l?oeuvre, les conditions de sa commande, le choix des matériaux, car tous ces indices en disent quelque chose et nous obligent à sortir de notre anthropomorphisme contemporain. A l?inverse, l?histoire de l?art nous apprend à ne pas nous limiter aux seuls écrits des artistes analysant leurs oeuvres, mais à prendre du recul. L?artiste qui commente est comme ?l?assassin?, ?le premier témoin de son crime?, et il n?est pas celui qui voit le plus clair. Vérité qu?il est bon de rappeler également. L?esprit universel de cette démarche demeure la grande force du livre. L?auteur n?a de cesse de réconcilier les approches : celles d?une histoire de l?art positive et celles qui émane des études d?archives. L?histoire de l?art est une science au carrefour de beaucoup de disciplines : linguistique, sociologie, histoire, esthétique, sciences politiques. Il est rappelé qu?après la Seconde Guerre mondiale le centre de gravité du monde intellectuel a basculé dans le monde anglo-saxon et que l?essentiel de la production en Histoire de l?art s?est fait en langue anglaise. L?université française a pris du retard, déplore Eric de Chassey, et ?Il a fallu un temps incroyable pour que les élites françaises se rendent compte qu?elles n?étaient plus au centre du monde.? Et l?auteur d?évoquer sans langue de bois l?ouverture d?esprit qui existe dans les universités américaines en l?opposant à notre triste fermeture. Avec beaucoup d?élégance, Eric de Chassey prône une forme d?extraterritorialité de l?esprit et de la perception. Européen éclairé, conscient des enjeux du mondialisme et de l?économie de marché, il n?en est pas moins convaincu par la richesse de notre patrimoine et du message unique que délivrent les ?uvres millénaires exposées dans nos musées. Partisan de la construction d?une véritable histoire européenne de l?art, il développe dans ce livre un plaidoyer pour l?Europe. Fustigeant le modèle capitaliste du signe désincarné, il espère en retour qu?une histoire de l?art européenne saura mieux maîtriser les effets pervers du nationalisme. Des dangers du relativisme culturel à la critique de ?la culture du divertissement?, ce livre nous conduit sur le chemin passionnant de la contemplation et du questionnement, en ce sens où l?art transmet toujours un surcroît d?humanité au spectateur de bonne volonté.