Notre site web sera en maintenance ce mardi 3 février après-midi. Les commandes enregistrées ne subirons pas de retard de traitement.
Esprit du meuble et du design. L'évolution esthétique de l'Antiquité à nos jours
Bony Anne
REGARD
59,00 €
Épuisé
EAN :9782841052943
Le livre est composé de trois chapitres principaux, Le déploiement des catégories est abordé de façon chronologique depuis l?histoire antique jusqu?à nos jours: "forme et fonction" Ceci est une chaise, une table, une armoire?.définition des typologies, classification des genres, déploiement des gammes et évolution dans l?histoire, meubles universels, trans-historiques, trans-culturels. Meubles de repos (les sièges d'une place, de deux places, les lits de jour, les fauteuils en confessionnal, les fauteuils de bureaux, le tabouret, le banc, les lits pliants, les lits-cages...); Les tables (les tables pliantes, roulantes, les bureaux, les pupitres...) ; Les meubles de rangement, de conservation et d'exposition (les coffres, les armoires, bonheur du jour, commodes, vitrines... Le propos vient se nourrir de divers aspects déterminants: L?évolution des techniques, art de l'ingénieur, "le process au service du design" (Ere des constructeurs, rigueur, structure et tension de conception. Économie et architecture du projet, transfert de technologies, recherche et innovation, structure et matériaux... Mythe de l'utilité, de l'efficacité, de l'économie de moyens....) Meubles à fonction combinée, meubles à transformation, design de l'immatériel, mobilier terminal, de l'intersection, du service et de la communication, NTIC... L?évolution de l?ornement "Du beau dans l'utile" (Décoration, accessoires, application, thèmes, et fioritures. Répertoire ornemental caractéristique d?une époque, de la mode, du goût). Grammaire des styles. Motifs: Feuille d'acanthe, godrons, cannelures, branche de palmier, guirlandes, palmettes.... L?évolution des savoir faires Bois, cuir, métal, céramique, verre, textile et nouvel artisanat numérique. Excellence des talents depuis l?origine, avec le prélèvement des matières disponibles naturellement pour une Eco-conception. S'il est ancré dans les traditions, le travail de la main n'est pas incompatible avec la modernité. C'est aujourd'hui un excellent facteur de développement et de solidarité. Un télescopage géographique, une translation des savoir-faire artisanaux, des matières qui ajoutent un supplément d'âme et de sens aux produits manufacturés. Une rénovation, un enrichissement des formes et des matériaux, des expériences contemporaines qui sont des signes forts. Le design est une expression pluri-ethnique et solidaire. L?évolution du rapport du design et de l?art, le Design manifeste, ?uvre de connaissance et d'engagement. Transversalité des pratiques, concept de création au sein de l'atelier mais aussi de l'agence. (Acte, démarche et pensée) Une démarche artistique, intellectuelle, poétique, dans le registre de l'émotion. Une évolution des us et des coutumes, une analyse sociétale. Son influence sur les espaces de l?intime, du travail, du pouvoir?
Décennie d'engagement, les Années 70 s'inaugurent au seuil de mai 68. Une révolution durable ébranle la société. La contestation structurelle, et la lutte contre "l'establishment" développe une énergie volontaire, qui aime communiquer. Devenue caduque et dépendante, la société de consommation est fragilisée par deux chocs pétroliers qui lui porteront le coup de grâce en 1977. Le designer pense ergonomie, conditions de travail, rationalisation des petits espaces, fonctions multiples du mobilier. Il invente un nouveau langage, une lisibilité des propositions et une approche du réel à partir du décodage sociologique. De nouvelles idées naissent, environnement, préservation, réhabilitation, énergies alternatives, une réflexion sur un nouveau rapport à la nature.Les expériences les plus engagées viennent deCalifornie. Le temps n'est plus aux matières plastiques, le bois reprend ses droits avec de nombreux programmes d'ameublement dont l'inspiration vient des pays scandinaves. L'Italie toujours à l'avant-garde, propose une vision utopique décalée avec Archizoom, Alchymia etGaetano Pesce, elle s'expose au Musée d'art moderne de New York. La France invite la couleur et s'offre le manifeste "High-tech" des années 70. Le centre Georges Pompidou marque l'apogée d'un mouvement venu de New York et de Londres. Un étrange hommage au monde industriel. Le Décor, une tradition, confirme la France dans son rôle de leader. Elle exporte son savoir faire et son art des juxtapositions et des collages. Les décorateurs proposent leur vision innovante, nouvelles couleurs, nouveaux matériaux: aciers brossés, inox, miroir. L'art s'invite et collabore. Les années 70 sont des années engagées. Ce livre offre un panorama des principaux designers et décorateurs: GaeAulenti, Steve Baer, Mario Bellini, Michel Boyer, Pierre Cardin, François Catroux, Luigi Colani, Charles Dillon, Ron Ferry, Pierre Guariche, Frank O'Gehry Davis Hicks, Hans Hollein, Geoffrey Hollington, Shiro Kuramata, Yonel Lebovici, Peter Maly, Pierre Paulin, Gustav Peichl, Alberto Pinto, Henri Samuel, Ettore Sottsass, Roger Tallon, Joseph Paul d'Urso, Victor Vasarely, Carla Venosta, Klaus Vogt, John Weallans, Tim Whitmore... Biographie de l'auteur Anne Bony, maître d'oeuvre d'une collection parue aux Éditions du Regard, les Décennies, fait redécouvrir le siècle à travers une évocation visuelle complète et précise de l'ensemble des créations.
L'auteure: Anne Bony collabore aux Éditions du Regard depuis 1980. Elle est maître d'oeuvre de la collection "Les Années..." qui fait redécouvrir le siècle passé à travers une évocation visuelle complète et précise de l'ensemble des créations. Elle est également l'auteure de la collection "Meubles et Décors". Elle a collaboré à de nombreux ouvrages sur la mode consacrés à Paul Poiret, Christian Dior, Nina Ricci, Madeleine Vionnet... et au Dictionnaire de la Mode, ainsi qu'à de nombreux ouvrages traitant de la décoration et de ses créateurs: René Herbst, Andrée Putman... Elle a publié, aux éditions Larousse, Design (2004) et Architecture (2006). Elle collabore régulièrement à de très nombreuses revues sur ces différents thèmes.
Résumé : Tout au long du XXe siècle, les architectes ont repensé notre rapport à l'espace. De Eiffel, premier grand utilisateur du métal, à Forster, maître du verre, en passant par Le Corbusier, qui a changé notre regard sur l'habitat, ces artistes ont bouleversé nos modes de représentation, de vie, en s'adaptant à l'époque ou en la devançant. Richement illustré, cet ouvrage analyse la façon dont plus de cinquante architectes ont modifié notre relation à l'habitat. Pour chacun d'entre eux, retrouvez leur parcours, leurs principes, leurs particularités et leurs combats. Partez à la découverte d'une de leurs oeuvres les plus célèbres et des procédés qu'ils ont employés pour la réaliser. Quelles nouvelles technologies Zaha Hadid a-t-elle utilisées pour obtenir un design innovant libéré des codes existants ? Comment Ieoh Ming Pei a-t-il imaginé et conçu la pyramide du Louvre, véritable prouesse conceptuelle et technique ? Ou encore, comment Antoni Gaudí a-t-il introduit la géométrie courbe et les fractales pour créer son ceuvre majeure, la Sagrada Família Reflet d'une époque, d'une culture, d'une société, l'architecture n'a qu'une seule raison d'être : mêler habilement l'art et la science pour proposer toujours plus de solutions inventives afin que les hommes vivent en harmonie entre eux et avec leur environnement.
Depuis une quinzaine d'années, en Europe comme dans d'autres régions de monde, on constate que de nouveaux processus de commande ont encouragé les artistes à réaliser nombre d'oeuvres d'art public importantes. Les Carnets de la commande publique entendent évaluer par l'analyse de certaines de ces oeuvres comment la prise en charge de l'espace public peut engendrer de nouvelles attitudes. A l'occasion de réalisations ou d'expositions soutenues par la Délégations aux arts plastiques du ministère de la Culture, ces publications cherchent à déterminer les caractères spécifiques et les éventuelles conséquences esthétiques qu'entraînent les confrontation avec l'espace politique, socail de la ville, et une relation directe avec le public. Les Carnets de la commande publique, dans une double approche à la fois théorique et documentaire, proposent une analyse de ce corpus particulier, confiée à un historien ou à un critique d'art.
Cet ouvrage constitue une occasion exceptionnelle de (re)découvrir certaines des oeuvres majeures du couple et l'impressionnante diversité des créations des Lalanne réalisées (sur une durée de) pendant cinquante années. Le Château de Versailles, avec la Galerie Mitterrand, présentait cette année les oeuvres des sculpteurs Claude et François-Xavier Lalanne dans un parcours allant du Petit Trianon au Hameau de la Reine en passant par le Jardin Anglais. L'exposition Les Lalanne à Trianon permettait alors de découvrir des sculptures animalières, poétiques et surréalistes mises en dialogue avec l'univers romantique du parc. Cet ouvrage constitue une occasion exceptionnelle de (re)découvrir certaines des oeuvres majeures du couple et l'impressionnante diversité des créations des Lalanne réalisées (sur une durée de) pendant cinquante années. Claude et François-Xavier Lalanne sont dorénavant célébrés dans le monde entier et fascinent les plus grands collectionneurs par leurs oeuvres inspirées par la nature. Elles sont faites d'associations ludiques, teintées d'humour et d'un charme unique. Les Lalanne ont poursuivi toute leur vie, et à travers leur oeuvre, un éloge à la nature en passant par l'évocation de sa faune et de sa flore avec les moyens de la sculpture. Claude est née en 1925 à Paris, France, et décédée le 10 avril 2019 à Ury, France. François-Xavier est né le 28 août 1927 à Agen, France et décédé le 7 décembre 2008 à Ury, France. Les Lalanne partagent le sentiment que l'oeuvre d'art peut avoir une fonction. Toute leur carrière est tendue par la volonté de restituer à la sculpture, trop longtemps sacralisée, une dimension familière, un éventuel usage. On la regarde mais on la touche aussi, on l'ouvre, on s'y assoit, on s'y allonge, on y mange, on la porte au cou : La nature, et plus particulièrement le monde animal, leur offre une infinité de formes reconnaissables par tous. Moutons, singes, rhinocéros, ânes, chameaux, crapauds, hippopotames etc. constituent un répertoire que les Lalanne soumettent aux contraintes de l'art décoratif avec beaucoup d'humour. Après une première exposition à la Galerie J à Paris en 1964, les Lalanne exposent leurs sculptures chez Alexandre Iolas à Paris, New York, Milan, Genève et Athènes de 1965 à 1979. Ils sont liés à la Galerie Mitterrand depuis le début des années 1990. Une rétrospective leur a été consacrée en 2010 aux Arts Décoratifs à Paris.
Monique Frydman, artiste française, est un peintre incontournable de l'abstraction. En 1966, comme de nombreux artistes engagés en Europe, Monique Frydman arrête la peinture, pratique considérée comme bourgeoise, pour se consacrer au militantisme. Elle rouvrira son atelier à Paris en 1977. A cette époque la peinture n'est regardée que si elle est déconstruite, telle celle qui est représentée par les artistes de Support-Surface. Or dans ce contexte, Monique Frydman fait un travail différent, voire à contre courant. Toutes ses créations dont on perçoit les échos avec d'autres artistes tels que Rothko ou encore Joan Mitchell, sont le fruit d'une pensée où s'entrecroisent les audaces et les hésitations, leur conférant une gravité et une exemplarité indéniables. " Dans une certaine mesure son travail est la résultante directe d'une quête étroitement personnelle et chez elle plus que pour quiconque, la peinture est l'instrument privilégié de ce questionnement intime. " Monique Frydman nous fait partager son éblouissement, sa capacité d'extase pour la couleur, sa dynamique propre. Ainsi révélé, l'espace mouvant, chatoyant du tableau se démultiplie, se complexifie, introduisant un silence qui le fige en un instant précieux qui lui confère son caractère unique, vulnérable. Mais avant tout Monique Frydman est l'artiste de la couleur, de sa visibilité, de son poudroiement. Ainsi de ces jaunes d'or s'opposant à l'acidité du vert, de la délicatesse des roses et la flamboyance des carmins, des nuances nacrées, des bleus, des mauves ou des noirs profonds aux nuances irisées, iridescentes, veloutées. lumières sombres, chargées d'une incandescence nocturne. En octobre 2013 Monique Frydman présente au Louvre dans le Salon Carré une ouvre monumentale, " Polyptyque Sassetta " en écho au polyptyque du peintre primitif siennois du XVème siècle, Sassetta. Cet événement donne lieu à un entretien de Dominique Thiébaut avec Monique Frydman.
Résumé : Architecte d'intérieur, Henri Garelli est né à St-Tropez à la fin des années 40. Il se partage depuis lors entre le port mythique, la Provence, Paris, l'Europe et les Etats Unis. Chez Garelli, le récit est primordial, et c'est une histoire qui est mis en scène, jamais une anecdote. Un décorateur à cet égard a exercé sur lui une grande stimulation par son talent et un savoir faire hors du commun, Renzo Mongiardino. Garelli privilégie le jeu d'une couleur à l'autre, qui jamais n'est recherche du pur effet décoratif, mais traduction d'une intuition, d'une pensée, d'un état d'esprit. Autre idée séminale chez cet esthète, la symétrie le séduit, plus ancrée depuis le XVIIIe siècle dans le goût national. Il reste fidèle à ses lignes de force : personnaliser de la manière la plus aiguë la volonté de ses clients, accorder une attention au moindre détail. Développer enfin un vocabulaire stylistique qui réponde au langage de l'architecture, pour lui essentielle dans l'appréhension d'un projet. Garelli n'impose rien. Il joue le néoclassicisme et la douceur contre le baroque ou la froide ascèse. Ses convictions les plus intimes circulent entre les murs, les textiles, les objets en d'harmonieuses et vibrantes conversations. A travers les photographies de Roland Beaufre, se révèlent avec tact, l'univers et les créations d'Henri Garelli. José Alvarez, auteur de divers ouvrages dont : L'Art de vivre à Paris, Flammarion, 1991, Anna la nuit, Roman Grasset, 2009, Histoires de l'Art Déco, 2010, Un XXe Siècle artistique, 2012, Editions du Regard.
Le mot design est aujourd'hui employé à toutes les sauces. Nous le retrouvons aussi bien à la une des journaux de mode que des revues techniques, il est de bon ton de le sortir dans les conversations mondaines. Être "design" est devenu un argument de vente redoutable, un facteur clé de la compétitivité des entreprises qui n'a pas échappé à la sagacité de nos dirigeants qui, dans certains pays, vont même jusqu'à accorder un ministère au design ! Cette confusion autour du mot design est symptomatique d'une réelle difficulté des non initiés, comme des spécialistes, à cerner sa réalité et l'ensemble de ses champs d'application. Trop souvent réduit au style du mobilier et des objets du quotidien, le design est avant tout une discipline qui recouvre un ensemble d'activités, dont le point commun est de concevoir ce qui nous accompagne dans notre environnement intime ou collectif. Comment est né le design ? Quels sont les véritables contours du design ? Que peut-on qualifier de "design" ? Comment pratique-t-on le design ? C'est tout l'univers du design, en perpétuelle évolution, que ce livre vous propose de découvrir.
Résumé : De la niche en béton au griffoir pour chat en forme de chien, du poulailler de luxe à l'aquarium imprimé en 3D, une collection surprenante d'objets imaginés pour les animaux, à poils, à plumes et même à écailles ! Aussi amusant qu'irrésistible, Animotecture comblera les amoureux des animaux ainsi que les amateurs de design.
Avec Le Design Book, partez pour un voyage extraordinaire à la découverte des objets qui ont façonné notre société et amélioré les intérieurs, les bureaux et les bâtiments publics du monde entier. Projets emblématiques de designers reconnus à l'échelle internationale - tels que Charles et Ray Eames, Le Corbusier et Philippe Starck - ou pièces anonymes ayant atteint la perfection en matière de design et de fonctionnalité, chacun des 500 produits novateurs, beaux et influents présentés ici est toujours fabriqué aujourd'hui. Ouvrage incontournable pour tout amateur, ce guide abordable retrace non seulement l'évolution du design, mais aussi celle des tendances et de la culture.Rassemblée pour la première fois dans un livre de poche, la collection idéale du design pour les passionnés de décoration, d'architecture et d'aménagement d'intérieurs.Présente les 500 objets les plus novateurs, les plus beaux et les plus marquants des 500 dernières années, encore fabriqués actuellement.Une sélection réalisée par un groupe d'experts internationaux parmi les plus compétents, chacun étant spécialiste d'un domaine spécifique.Chaque rubrique présente une illustration grand format accompagnée d'un bref commentaire sur l'objet, son histoire, sur son concepteur et son fabricant.Ce guide très accessible propose une histoire du design, mais aussi du goût et de la culture, dans un format léger et attrayant.