Hubert Damisch

? L'anonymat est un combat ? " disait Jean Clay. Une discrétion revendiquée plane sur l'existence et sur l'oeuvre de celui qui a fondé les prestigieuses éditions Macula en 1980. Atopiques rassemble ses écrits sur l'art les plus importants, parus notamment dans les revues Robho et Macula qu'il a fondées avec une passion érudite, au fil des années 1960 à 1980. Des contributions des historiens de l'art Yve-Alain Bois et Thierry Davila en éclairent la portée théorique et historique. Journaliste et critique, passé par Le Monde puis par Réalités, mais aussi historien de l'art et éditeur, Jean Clay fut animé par une constante volonté esthétique et politique de "? multiplier les instruments de l'expression ? ", autrement dit d'inventer matériellement ses propres modes d'expression. Ainsi ses écrits sur l'art rassemblés ici sont-ils indissociables des deux grandes aventures éditoriales qu'il a initiées, avec la revue Robho de 1967 à 1971, puis avec la revue Macula de 1976 à 1979. Fidèle à cette histoire, Atopiques se divise en deux grandes parties. La première donne à lire ses écrits des années Robho, alors qu'il anime cette revue fondée avec le poète Julien Blaine, qui visait à mettre en crise les institutions sociales et politiques, notamment littéraires et muséales. Tandis que la seconde partie donne à lire ses écrits des années Macula, durant lesquelles il se consacré, avec l'historien de l'art Yve-Alain Bois, à cette nouvelle revue qui visait quant à elle plus particulièrement à mettre en crise l'institution du tableau lui-même, du tableau comme forme cristallisant divers enjeux esthétiques et politiques. Dans un entretien avec Thierry Davila et Valérie Mavridorakis, Jean Clay raconte entre autre la création de la revue Macula et des éditions du même nom, dans une atmosphère "? surexcitante intellectuellement ? ", celle des années 1970 et 1980, époque où essaimaient les pensées de Walter Benjamin, que l'on découvrait dans les traductions de Jean Lacoste, de Michel Foucault, Jacques Derrida, Tzvetan Todorov, Roland Barthes, Hubert Damisch, Georges Didi-Huberman, ou Rosalind Krauss... Se remémorant son parcours, Jean Clay évoque le jour où Yve-Alain Bois l'invita à boire une bière chez Michel Foucault, ou encore le jour où, écoutant Georges-Didi Huberman parler de sa thèse sur l'iconographie photographique de la Salpêtrière dans le séminaire d'Hubert Damisch à l'Ecole des hautes études en sciences sociales, il eut l'idée d'en faire un livre. Dans les écrits qu'il consacre à l'art qu'il aime - "? l'art optique, l'art du mouvement, l'art-événement, l'art-environnement, l'art-invisible, l'art-multiple, l'art-collectif ? " - il use, comme le note Thierry Davila, de "? tout un vocabulaire renouvelé, enrichi, travaillé et étendu de la description ? ", qui sert "? une observation minutieuse et aiguë des singularités concrètes oeuvrantes ? ". Ces singularités, vers lesquelles Jean Clay aiguille notre attention, ce sont les artistes Josef Albers, Martin Barré, Lygia Clark, Hans Haacke, Richard Paul Lohse, Edouard Manet, Rafael Martinez, Jackson Pollock, Robert Ryman, Jesús-Rafael Soto, Takis ou Georges Vantongerloo.

Le Chemin de Croix conçu par Matisse pour la chapelle du Rosaire, à Vence, est une oeuvre hors norme. Son style délibérément "rude", de l'aveu de l'artiste lui-même, tranche non seulement avec le reste de la chapelle, baignée de lumière, mais aussi avec la quasi-totalité de la production de Matisse. Composition séquentielle illustrant un texte narratif, sa réalisation est un défi pour l'artiste, dans sa forme - qui va à l'encontre de ses principes esthétiques - comme dans son sujet. Le peu de familiarité de Matisse avec l'iconographie chrétienne explique sans doute la profusion de croquis et d'études préparatoires dont il a eu besoin, une quantité jamais atteinte pour ses autres compositions à multiples personnages. Malgré son caractère unique, le Chemin de Croix reste peu connu et étudié. L'exposition qui lui est dédiée et son catalogue examinent en détail sa genèse et sa création.

Résumé : Tout à la fois rivaux et frères d'armes, Matisse et Picasso ont mené l'un des dialogues artistiques les plus riches de ce siècle. Dans Matisse et Picasso, Yve-Alain Bois retrace les évolutions croisées de ces deux géants de l'art moderne comme s'il s'agissait d'une partie d'échecs entre deux maîtres. Si les débuts intenses de leur relation - de leur rencontre en 1906 jusqu'au départ de Matisse pour Nice en 1917 ont été maintes fois étudiés, l'échange qu'ils ont rétabli, et poursuivi, après plus de dix ans d'ignorance réciproque est en revanche très mal connu : c'est cette seconde manche qui fait l'objet principal du livre. Après avoir brièvement rappelé l'origine du dialogue entre Matisse et Picasso, l'auteur plonge directement dans le contexte de leurs retrouvailles, le moment où, vers 1930, un Picasso taquin fait sortir Matisse de sa tanière et le pousse à réintégrer le ring de la modernité. Au milieu des années trente, leur relation tumultueuse se fait plus paisible, chacun des deux artistes s'attachant à mieux comprendre le langage de l'autre. La Seconde Guerre mondiale les éloigne, niais après ces quatre années de frustration, leur rivalité amicale atteint son apogée. Fasciné et stimulé par la production de Picasso au château Grimaldi à Antibes (1946), Matisse réalise son projet pour la Chapelle du Rosaire à Vence, auquel Picasso répondra à son tour par son Temple de la Paix à Vallauris. Pourtant, le plus poignant tribut offert par Picasso à son ami est posthume : avec la série des Femmes d'Alger commencée quelques semaines après la mort de Matisse, et surtout avec les Atelier à " La Californie " (l 955-1956) directement inspirés des toiles peintes par Matisse à Vence en 1946-1948, Picasso porte le deuil. Jamais il n'avait dit aussi franchement son admiration pour l'?uvre de Matisse. Le temps du pastiche est loin : il s'agit de faire revivre par la peinture le partenaire disparu. Matisse et Picasso n'est pas un livre d'histoire de l'art traditionnel. Cet ouvrage se lit comme un roman dont les protagonistes sont tout autant les artistes et leurs ?uvres que les relations changeantes qui les mettent en branle. En s'appuyant sur une enquête érudite dans les archives, Yve-Alain Bois nous offre un scénario inédit ponctué d'analyses visuelles et de juxtapositions formelles saisissantes, qui font de cet ouvrage une contribution majeure à l'étude de l'art de ce siècle.

L'Europe moderne renonçant à la vieille idée de monarchie universelle, pontificale ou impériale, naît au temps des fractures religieuses, politique et militaires qui accompagnent l'apparition des monarchies nationales. La réflexion sur l'idée d'Europe est alors renvoyée à l'abstraction. Mais si, du modèle utopique de Thomas More au projet de paix perpétuelle de l'abbé de Saint-Pierre, les chimères ne manquent pas - Sully ou Henri IV, Emeric Crucé, Comenius, Leibniz ou William Penn - elles posent déjà la vraie question du fédéralisme et des institutions supranationales. En même temps, se développent une pensée juridique issue de Grotius et l'aspiration cosmopolite à une fraternité universelle. Non sans pragmatisme, une diplomatie de plus en plus structurée et active impose, au gré des congrès qui, à partir de 1648, rythment les grandes guerres européennes, une forme d'accord entre puissances, première ébauche d'une Europe qui récuse l'unité par la conquête tentée par la France révolutionnaire, puis impériale, au profit d'une entente négociée dont les institutions restent encore à mettre en œuvre en 1815.