Premier amour

De même que Dante chemine de cercle en cercle pour atteindre son Enfer ou son Paradis, de même est-ce, chacun dans un cercle bien distinct, que Samuel Beckett situe les trois principaux protagonistes de sa trilogie, Molloy, Malone meurt et L'Innommable, afin qu'ils atteignent, peut-être, le néant auquel ils aspirent. D'un roman à l'autre, ce cercle est de plus en plus réduit. Le cercle imparti à l'Innommable se réduit à un point, c'est le trou noir au centre d'une galaxie, là où l'espace-temps se déforme, où tout est happé et s'engouffre sans pour autant disparaître. L'être qui réside en ce point est nécessairement sans nom puisqu'il s'agit de " je ", ce " moi " à jamais non identifiable. Figé, le corps de l'Innommable est incapable du moindre mouvement. Cependant il a " à parler ". Ses précédents personnages, Molloy, Malone et les autres passent et repassent, tournant autour de lui. Ils semblent avoir ourdi un complot pour le contraindre à continuer d'être, le forcer donc à continuer de dire. Alors l'Innommable va créer d'autres mondes, donner voix à d'autres lui-même. Les personnages qu'il devra " essayer d'être " - avec lucidité, mais sans jamais se départir de son humour -, seront tour à tour Mahood, homme-tronc fiché dans une jarre, puis Worm, visage indistinct qui n'est qu'oreille " tressaillante " et terrible inquiétude d'un unique " ?il aux aguets ".

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Dans Fin de partie il y a déjà cette notion d'immobilité, cette notion d'enfouissement. Le personnage principal est dans un fauteuil, il est infirme et aveugle, et tous les mouvements qu'il peut faire c'est sur son fauteuil roulant, poussé par un domestique, peut-être un fils adoptif, qui est lui-même assez malade, mal en point, qui marche difficilement. Et ce vieillard a ses parents encore, qui sont dans des poubelles, son père et sa mère qu'on voit de temps en temps apparaître et qui ont un très charmant dialogue d'amour. Nous voyons deux êtres qui se déchirent, qui jouent une partie comme une partie d'échecs et ils marquent des points, l'un après l'autre, mais celui qui peut bouger a peut-être une plus grande chance de s'en tirer, seulement ils sont liés, organiquement, par une espèce de tendresse qui s'exprime avec beaucoup de haine, de sarcasme, et par tout un jeu. Par conséquent, il y a dans cette pièce - qui est à un niveau théâtral absolument direct, où il n'y a pas d'immense symbole à cher-cher, où le style est d'une absolue simplicité -, il y a cette espèce de jeu qu'ils se font l'un à l'autre, et qui se termine aussi d'une façon ambiguë parce que le suspense dérisoire de la pièce, s'il y a suspense, c'est ce fils Clov, partira-t-il ou non? Et on ne le sait pas jusqu'à la fin. Je dois dire aussi que c'est une pièce comique. Les exégètes de Beckett parlent d'un "message", d'une espèce de chose comme ça. Ils oublient de dire le principal, c'est que c'est une chose qui est une découverte du langage, de faire exploser un langage très quotidien. Il n'y a pas de littérature plaquée, absolument pas. Faire exploser un langage quotidien où chaque chose est à la fois comique et tragique.

189 illustrations dont 106 en couleurs. Illustrations de la jaquette (premier plat : Etui à lunettes, pinceau et tube, 1980 ; second plat : Retour de l'Hôtel-Dieu, 1979). Avigdor Arikha, qui est né en 1929, s'impose depuis des années comme un peintre majeur, au rang des maîtres. Il a dessiné dès l'âge de six ans, est passé par l'abstraction, et a exploré tous les procédés de son art. Il a traversé les guerres de son temps, a énormément lu et voyagé, et a beaucoup écrit. Emule des grands historiens d'art, il a une double compréhension des oeuvres : celle du praticien et celle de l'érudit ; aussi s'est-il vu confier par les musées des présentations nouvelles, plus explicites, des oeuvres de Poussin ou d'Ingres. Son dessin est surprenant de vie et sa palette est chaude et harmonieuse. Peintre nourri de tradition, il est l'auteur d'un portrait officiel de la Reine-Mère Elisabeth d'Angleterre pour la Scottish National Portrait Gallery. Parallèle en quelque sorte à l'oeuvre de Beckett son ami et son constant soutien la peinture d'Arikha est faite autant de vie que de mystère. La sincérité, l'émotion et la maîtrise y donnent naissance à la beauté. "[Une peinture] supérieurement honnête, sans aucune rhétorique : elle respire l'angoisse du scrupule. Son sens du ton l'équivalent visuel de la justesse du chant est plus sur que chez n'importe quel peintre en activité aujourd'hui. ". . Robert Hughes.