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Ni cygne ni lune. Oeuvres tchèques 1950-2014 de la collection Claude et Henri de Saint-Pierre, Editi
Ziebinska-Lewandowska Karolina
DILECTA
28,01 €
Épuisé
EAN :9782373721102
Exposition "Ni cygne ni lune : oeuvres tchèques (1950-2014) de la collection de Claude et Henri de Saint-Pierre" au MNAM Centre Pompidou, du 27 mai au 9 septembre 2020 Après 1945, l'abstraction tchécoslovaque, nourrie de l'expérience du surréalisme, donne naissance à une version particulière de l'informel pictural et photographique. Karel Malich, Vaclav Bostík, Emila Medková ou Cestimir Krátky ? , grands noms de l'histoire de l'art en République tchèque, restent encore aujourd'hui relativement inconnus. Avec le don d'une quarantaine d'oeuvres de la collection de Claude et Henri de Saint Pierre, réalisé en 2019, l'exposition "Ni cygne ni lune" cherche à combler cette lacune. On y dévoile un fragment de cette fascinante scène artistique qui atteste de la richesse et de la diversité des pratiques en Tchécoslovaquie communiste où la révision du canon de européen occidental n'a pas encore opéré. Les oeuvres des photographes du groupe du nouveau documentaire DOFO, les images de murs par Emila Medková et celles de la réalité "pauvre" par Alois Nozicka et Cestimir Krátky ? , les natures mortes paisibles de Jan Svoboda, les recherches abstraites de Bela Kolarova ou les actions subversives de l'artiste fluxus Milan Knízák... Majoritairement photographique, l'exposition introduit également quelques magnifiques exemples de l'abstraction picturale des années 1960 et 1970 avec les toiles de Josef Sima, Vaclav Bostík ou Karel Malich.
Ziebinska-Lewandowska Karolina ; Chassey Eric de ;
Résumé : Cet ouvrage, qui accompagne la première exposition personnelle de l'artiste en France, présente son travail en 4 parties thématiques : - Vers l'abstraction, qui montre l'ensemble de photographies abstraites réalisées entre 1948 et 1950 qui reste par sa cohérence et son originalité, exceptionnel dans l'histoire de l'art ; ainsi que sa série Asymétrie, réalisée à partir de 1980 pendant les vingt dernières années de son activité artistique. Une évidente proximité des formes se dégage de ces deux ensembles, mais le dernier est entamé au moment où l'artiste a derrière lui sa fascination pour le structuralisme et les théories du langage et où sa conscience de l'image est toute autre. - Peintures et esquisses, qui présente son travail pictural et met en évidence les liens formels entre ses deux pratiques. - Proximité du réel, beauté du quotidien, à travers plusieurs séries réalisées dans les années 1960-1970 (Existences ; Paysages ; et plusieurs nus) qui surprennent par leur intensité et leur attention portée à ce qui devrait être marginal. Dans ces travaux l'appareil photo semble être un outil de documentation du réel mais il est en fait un moyen de dénoncer le réalisme photographique promu par le pouvoir en place. - Représentation soumise aux systèmes qui explore la notion de signe dans l'images et qui débouchera sur ses montages photographiques, véritable mise en abîme de l'image photographique dans l'image.
La collection de photographies du Centre Pompidou est aujourd'hui riche de 40 000 épreuves : elle est devenue l'une des plus importantes en Europe. Cette collection est aujourd'hui l'un des rares ensembles au monde apte à présenter une histoire complète de la photographie moderne et contemporaine dans toute sa diversité, avec des points forts, notamment pour la photographie des années 1920 et 1930, l'?uvre de Man Ray, de Brassaï, de Brancusi, la Nouvelle vision et le Surréalisme.
Amao Damarice ; Ziebinska-Lewandowska Karolina ; P
Résumé : Le surréalisme est toujours vivant même s'il mène une existence souterraine: la preuve par cet ouvrage qui montre combien son esprit est présent dans la photographie contemporaine. Cette passionnante exploration de la collection photo du Centre Pompidou à l'occasion de ses 40 ans sera exposée à Arles cet été. En 9 thématiques les auteures font dialoguer un artiste surréaliste "historique" et un auteur contemporain. Par exemple Dona Maar et Agnès Geoffray, Brassaï et Dayanitha Singh ou Raoul Ubac et Alix Cléo Roubaud.
Katarzyna Kobro et Wladyslaw Strzemiríski sont des figures majeures de l'avant-garde constructiviste polonaise. Radicaux dans leur posture artistique, ils travaillent conjointement au renouveau de l'art. Tandis que Kobro reformule te langage moderne de la sculpture - en la professant comme forme d'architecture -, Strzemiríski développe celui de la peinture, à travers sa théorie de l'unisme, poussant à l'extrême l'idée de l'autonomie organique du tableau. Ils se rapprochent des cercles réformateurs de l'art cubistes, suprématistes et constructivistes, et deviennent membres de plusieurs avant-gardes artistiques, avant de finalement créer leur propre groupe : a.r. Artistes engagés au sein d'une époque fortement troublée, l'oeuvre qu'ils nous lèguent laisse entrevoir l'idéal qui les a menés.
Pour la première exposition à caractère rétrospectif d'Anne et Patrick Poirier en France, le Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Etienne Métropole réunit une quarantaine d'oeuvres majeures de l'un des tout premiers et rares couples d'artistes. Danger Zones, titre choisi à dessein par Anne et Patrick Poirier, reprend celui donné à l'une de leurs pièces, emblématique et prémonitoire, de 2001. Il témoigne du caractère visionnaire de leurs intuitions, nourries par leur observation attentive et distanciée de l'histoire passée et du cours du monde actuel. Il réaffirme avec éclat la pertinence de leurs questionnements au centre de leur oeuvre polymorphe et poétique : la fragilité des civilisations et de la nature, le rôle primordial de la mémoire et de son fonctionnement, antidote à la tyrannie du temps, les désordres des guerres et les menaces pesant sur la connaissance".
Figure majeure de la scène artistique française, Xavier Veilhan (né en 1963) vit et travaille à Paris. Son oeuvre est le résultat d'une pratique plurielle, entre sculpture, peinture, environnement, spectacle, vidéo et photographie. Il a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles, en France au musée d'Art moderne de la ville de Paris (1994), au Centre Pompidou (2004) ou encore au château de Versailles (2009) ; mais aussi à l'international : Hong Kong, Séoul, Barcelone, New-York, Londres, Los Angeles, entre autres. En 2017, Xavier Veilhan représente la France à la Biennale de Venise avec un dispositif immersif dans lequel viennent travailler des musiciens du monde entier pendant sept mois. A travers un entretien avec l'artiste, des textes critiques mais aussi une sélection d'essais de différents acteurs du spectacle vivant, de philosophes ou de poètes, l'ouvrage aborde deux pendants de la production de Xavier Veilhan, le film et la performance : deux pratiques à la fois distinctes et complémentaires, qui interrogent à leur manière le lieu et le rapport à l'image. De son premier Film du Japon (2002) à Mutant Stage 8 réalisé en 2017 pour Lafayette Anticipations, Xavier Veilhan conçoit ses films comme une addition d'étapes, de gestes et de faits : un cinéma de situation, sans réelle narration linéaire. A l'instar de ses films, les performances de Xavier Veilhan se lisent en relation directe avec sa pratique formelle. Boucle et Ville nouvelle (2006), deux performances jouées à l'occasion de la cinquième édition de Nuit blanche (Paris), rappellent le lien étroit qui lie l'oeuvre et son contexte. Ailleurs, la performance vient souligner le propos d'une exposition (Performance aérienne, 2012) ou la compléter, comme à Los Angeles (2012), où la Case Study House n°21 sert de pilier à l'élaboration d'une dialectique entre architecture et sculpture. Dans l'ensemble de ses oeuvres filmiques et scéniques, un rôle central est accordé à la musique. Elle y est presque mise en scène, au point de devenir un personnage à part entière.
Ryan Bartholomew ; Danto Arthur Coleman ; Martin J
Présentation de l'oeuvre de l'artiste, qui utilise des oeuvres préexistantes qu'il détourne pour dénoncer la consommation dirigée, l'érotisme mercantile ou encore l'américanisation forcée de nos existences.