Septembre. Une peinture d'histoire de Gerhard Richter

A l'occasion de la recréation du bosquet du Théâtre d'Eau, les Editions Dilecta publient en coédition avec la galerie Perrotin un ouvrage retraçant la création des Belles Danses de l'artiste français Jean-Michel Othoniel, première installation contemporaine pérenne dans les jardins du château de versailles depuis 300 ans. Redessiné par le paysagiste Louis Benech, le bosquet du Théâtre d'Eau accueille trois sculptures-fontaines de Jean-Michel Othoniel, posées à fleur d'eau dans les bassins. Composées d'entrelacs et d'arabesques en perles de verre, elles évoquent le corps en mouvement et sont directement inspirées des ballets donnés par Louis XIV et de L'Art de décrire la danse, de Raoul-Auger Feuillet (1701). Véritables calligraphies issues d'une réécriture de la notation des pas de danse, ces sculptures redonnent vie à L'Entrée d'Apollon, au Rigaudon de la Paix et à la Bourrée d'Achille. Robert Storr, critique d'art et curateur américain, analyse ces réalisations exceptionnelles de Jean-Michel Othoniel à Versailles, au regard de l'art contemporain. Les nombreux échos évoqués entre le siècle du Roi Soleil et l'oeuvre de Jean-Michel Othoniel éclairent ainsi subtilement la poétique de l'artiste, ouvrant ainsi la frontière entre les arts, et révélant les riches références qui émanent de ces sculptures intemporelles. Dans Les Belles Danses, Jean-Michel Othoniel présente également la genèse de son travail à travers croquis, aquarelles, dessins techniques et autres documents. Composé comme un ballet baroque, ce livre illustré de nombreuses photographies montre Les Belles Danses évoluer au fil des saisons, confrontées aux éléments et aux lumières changeantes du ciel de Versailles. L'ouvrage dévoile ainsi les différentes étapes de leur création, rassemblant images d'archive, références de l'artiste et notes dévoilant les secrets de la conception de ces oeuvres.

Louise Bourgeois constitue une monographie sans équivalent en France. Ecrit par l'un des meilleurs spécialistes de l'artiste, l'ouvrage somme propose une vision transversale et complète de son oeuvre grâce à une structure originale qui dresse à la fois un portrait intime de la femme et déploie un examen approfondi de l'oeuvre à travers plus de 900 illustrations. Louise Bourgeois (1911-2010), sculptrice et plasticienne française naturalisée américaine, est une des artistes majeures de la fin du xxe et du début du xxie siècle. Arrivée à New York en 1938, elle croise le surréalisme, importé par les artistes européens en exil, puis les grands courants de l'art américain d'après-guerre, créant un oeuvre basé sur la mémoire et l'intimité des émotions. Entièrement autobiographique, son langage personnel intègre tous les matériaux et toutes les formes, touchant aux pratiques les plus contemporaines. Après des périodes successives de succès et de retraits, Louise Bourgeois accède à la notoriété en 1982 lors de sa rétrospective au Museum of Modern Art. Tout au long d'une carrière de près de soixante-dix ans, elle a créé un corpus d'oeuvres riche et toujours innovateur. Bien que la peinture, le dessin, la gravure et la performance aient aussi leur place dans son oeuvre, l'artiste est surtout connue pour ses sculptures, qu'elles soient intimes (Femme-maison, Fillette) ou monumentales (Maman, Spider). Aujourd'hui collectionnée dans les plus grands musées du monde, l'oeuvre complexe et protéiforme de Louise Bourgeois continue de fasciner la jeune génération d'artistes et la critique.

L'abstraction gestuelle qui recouvre entièrement une surface est une peinture américaine par excellence. L'affirmation pourrait induire une certaine gêne, ou même un état d'alerte, à notre époque, sans doute la plus chauviniste depuis des décennies dans l'histoire de notre nation – sauf que l'artiste dont je vais parler est né à Ceylan et a grandi en Grande-Bretagne. Il n'en est pas moins new-yorkais depuis 1972, ce qui fait de la biographie de Julian Lethbridge une histoire d'immigration typiquement américaine – et donc celle d'une immigration réussie. Dans l'ensemble et à long terme, les tableaux de JULIAN LETHBRIDGE sont des machines perpétuellement en mouvement dont le dynamisme bourdonnant dénonce que la peinture all over de type américain constitue une parenthèse encore loin d'être refermée dans l'histoire de l'art moderne – un travail qui attend en permanence d'être effectué.