100 journées qui ont fait le cinéma

Le nom de ce jeune cinéaste chinois de Hong Kong n'est pas encore très familier du grand public en France et pourtant son film In the Mood for Love a connu un énorme succès d'abord en salles puis en DVD. Il est devenu mythique pour toute une génération de spectateurs avec ses deux acteurs beaux et mystérieux, Maggie Cheung et Tony Leung, son ambiance onirique, ses costumes d'un style inoubliable, sa musique obsédante.Son nom va bientôt faire la une des médias puisqu'il est le président du jury du prochain festival de Cannes en mai 2006. Et le prochain film au programme du baccalauréat option cinéma à partir de juin 2007 est sa dernière oeuvre : 2046.Son style est reconnaissable entre tous : un style hérité à la fois du cinéma de sabre chinois et du cinéma d'action de Hong Kong, mais qui doit aussi beaucoup au cinéma occidental tendance Nouvelle Vague. Il est associé depuis ses premiers films avec le même chef-opérateur talentueux : Christopher Doyle.Wong Kar Wai a puisé l'inspiration de ses scénarios et de ses personnages au romantisme déjanté dans la ville de Hong Kong en proie à l'angoisse et au doute à l'heure de son rattachement à la Chine populaire.Après un premier film de gangsters, librement inspiré de Scorsese, il trouve un ton personnel affirmé. Ses principaux films sont Les Anges déchus, Chungking express, Happy Together, Les Cendres du temps, Nos années sauvages.

Résumé : Avec cette anthologie, c'est l'histoire d'un regard et d'un discours critique qui est racontée à travers l'exploration des formes télévisuelles que sont les dramatiques télé, les débats politiques, les émissions littéraires, les séries, le cinéma à la télé, les matchs de football, les documentaires de création, les clips ou la télé-réalité, sans oublier quelques moments forts de notre histoire contemporaine et télévisuelle comme la chute de Ceaucescu, la Guerre du Golfe, le procès Barbie ou la Guerre en Irak... Tout à la fois réflexion historique et ontologique sur l'évolution d'un médium et questionnement sur l'existence d'une critique de télévision, le Goût de la télévision fait coexister dans un même ouvrage, André Bazin, Eric Rohmer, André S. Labarthe, Gilles Deleuze, Serge Daney, Jean Baudrillard, Olivier Assayas, Paul Virilio avec Jean-Christophe Averty, Pierre Bellemare, Serge Moati, Pierre Dumayet, Bernard Pivot, Guillaume Durand ou Pierre Chevalier. Les Cahiers du cinéma n'ont cessé, depuis le commencement de leur histoire en 1951, d'écrire sur la télévision. Le premier numéro des Cahiers y consacrait déjà un article, alors intitulé " Film, cinéma et télévision ". Considérée d'abord comme un espace utopique, ouvert à tous les possibles, la télévision est peu à peu devenue, pour les Cahiers, un sujet de réflexion, depuis l'expérience des pionniers de l'ORTF comme Pierre Sabbagh, Pierre Lazareff, Stellio Lorenzi jusqu'aux tentatives de quelques grands cinéastes comme Hitchcock, Renoir, Welles, Rossellini, Godard ou Fassbinder, pour investir le medium. Après 1981, et les multiples modifications du paysage audiovisuel (création de Canal +, irruption des chaînes privées, arrivée d'Arte, généralisation du câble et du satellite...), la télé prend une place grandissante dans la revue mais devient dans le même temps de plus en plus polémique. L'institut national de l'audiovisuel conserve la mémoire de la télévision depuis ses origines. En s'associant à cet ouvrage, l'Ina a souhaité proposer de nouvelles clés de lecture pour l'histoire de la télévision et de des programmes.

Un guide qui donne des clefs pour une collaboration efficace et pour la compréhension des besoins musicaux d'un film. Fruit de l'interview de dizaines de compositeurs et réalisateurs (avec leur court portrait en annexe), on y lira les propos de Vladimir Cosma, Warren Ellis, Maurice Jarre, Michel Legrand, Jacques Perrin, Cédric Klapisch, Michel Portal... Parmi les questions abordées : pour un réalisateur, quel compositeur choisir, et comment ? Un compositeur de cinéma est-il un caméléon ? Un choix instrumental doit-il toujours être justifié par l'image ? La musique est-elle toujours nécessaire ? Comment la musique contribue-t-elle à raconter l'histoire du film ? Le compositeur doit-il assister au mixage...

Résumé : Dans l'imaginaire du cinéma, la musique de film a été longtemps considérée comme un parent pauvre. Aujourd'hui, alors que ce genre connaît un véritable engouement, l'histoires de B. O. de films est encore trop méconnue. De l'âge d'or hollywoodien aux blockbusters contemporains, de Bernard Herrmann à Alexandre Desplats en passant par Geroges Delerue, Ennio Morricone ou John Barry, ce livre illustré retrace l'histoire de la musique au cinéma. A travers des documents d'archives (scènes de films, affiches, portraits), (re)découvrez les musiques et les films qui nous enchantent encore et toujours !