GRANDS MUSEES D'ITALIE

Un siècle après la mort de Paul Gauguin, la connaissance de sa vie et la compréhension de son œuvre ont fait de grands progrès. Cet ouvrage, qui couvre la période s'étendant de la jeunesse à la maturité de cet artiste profondément novateur, en tente le bilan. Il constitue en même temps le catalogue complet de l'œuvre, qui n'avait pas été remis à jour depuis 1964. Cette publication s'arrête à la fin de 1888, année de bouleversements majeurs dans la peinture française. En collaboration avec d'autres, Gauguin venait alors de mettre au point la formule synthétiste - laquelle, en rejetant notamment la représentation de la profondeur, affranchit la peinture occidentale des lois auxquelles elle obéissait depuis la Renaissance. Mais le synthétisme est aussi un primitivisme. Le monde déjà technique et matérialiste dans lequel évoluait Gauguin portait en germe tout le développement du XXe siècle ; l'artiste fut l'un des premiers à vouloir retrouver un esprit capable d'approcher l'essentiel. Ce livre abondamment illustré et fondé sur la documentation la plus rigoureuse ne s'adresse pas qu'aux spécialistes. Soulignant pas à pas, dans les commentaires des œuvres, les étapes petites ou grandes d'une évolution artistique, il fait parallèlement revivre le vécu de l'artiste ou la problématique esthétique et socio-culturelle de l'époque. La chronologie, détaillée et vivante, évoque les événements de la vie de l'artiste et souvent celle de ses compagnons ; grâce à d'extensives recherches d'archives inédites, elle jette une lumière nouvelle sur les origines familiales de Gauguin. L'introduction analyse la période et évoque la personnalité profonde de ce grand artiste. Cet ouvrage exhaustif n'oblige pas à une lecture continue les diverses études qui le composent peuvent être lues isolément, mais sont articulées entre elles par un réseau de renvois qui guide le cheminement de la pensée.

Des "grandes mères" paléolithiques aux athlètes grecs, de la Vénus d'Urbin du Titien à l'Homme de Vitruve de Léonard de Vinci, de l'Odalisque de Boucher à celles d'Ingres, et jusqu'aux amazones de Helmut Newton et aux corps désolés et sans vie d'Andres Serrano, le nu est le thème par excellence de la représentation artistique. Le corps nu en tant qu'incarnation de la beauté parfaite et la suspicion que la culture chrétienne imposa à l'égard de sa sensualité; le triomphe de la beauté antique dans la réinterprétation qu'en fit la Renaissance et l'étude de l'anatomie; la licence visuelle du XVIIIe siècle et le nu photographique; la beauté idéale, l'érotisme, la pornographie; le nu représentant également la laideur et sa vérité étalée dans l'art du XIXe siècle; le nu qui se transforme lui-même en une oeuvre d'art dans les courants d'avant-garde du deuxième après-guerre avec la performance, le body art et le théâtre expérimental. Tels sont les filons que la narration, extrêmement bien documentée au niveau historique, mais présentant un style descriptif et exempt de toute lourdeur académique, suit sur la base d'un riche appareil iconographique. La conclusion repose sur la conviction que la beauté du nu est toujours une tension vers la perfection idéale, passant toutefois par le désir des sens.