Luce Di Pietra

Les Grands Musées d'Italie est un ouvrage consacré au thème du musée analysé à travers l'histoire et les modalités de formation de quelques musées italiens particulièrement emblématiques. Huit exemples incomparables par la richesse, la variété et l'importance des collections exposées qui tracent également, de façon virtuelle, une sorte de parcours idéal de l'histoire de l'art : de la civilisation égyptienne, illustrée par les grandioses collections du Musée Egyptien de Turin, à la civilisation romaine, représentée par le Musée Archéologique de Naples, des collections princières des Offices, du Palais Pitti, de la Villa Borghèse et de celle de Capodimonte, pour aboutir aux chefs-d'œuvre des artistes italiens, du XVIe au XIXe siècle, réunis de façon didactique, par écoles et par périodes, dans les pinacothèques de Milan et de Venise. L'ouvrage entend également présenter le musée non seulement en tant que " coffre-fort " d'œuvres d'art précieuses, lieu de mémoires historiques et temple de la beauté absolue, mais aussi en tant que lieu ouvert à tous et devant être l'élément central d'une sorte d'éducation permanente à même de croître et de s'instaurer aussi bien à travers la connaissance et le sens de l'histoire qui ont donné à l'Italie le patrimoine artistique le plus généreux du monde, qu'en appréhendant les chefs-d'œuvre choisis en tant que témoignages parlants et fascinants de la transformation du goût et de l'évolution du concept de la beauté au fil du temps.

Des "grandes mères" paléolithiques aux athlètes grecs, de la Vénus d'Urbin du Titien à l'Homme de Vitruve de Léonard de Vinci, de l'Odalisque de Boucher à celles d'Ingres, et jusqu'aux amazones de Helmut Newton et aux corps désolés et sans vie d'Andres Serrano, le nu est le thème par excellence de la représentation artistique. Le corps nu en tant qu'incarnation de la beauté parfaite et la suspicion que la culture chrétienne imposa à l'égard de sa sensualité; le triomphe de la beauté antique dans la réinterprétation qu'en fit la Renaissance et l'étude de l'anatomie; la licence visuelle du XVIIIe siècle et le nu photographique; la beauté idéale, l'érotisme, la pornographie; le nu représentant également la laideur et sa vérité étalée dans l'art du XIXe siècle; le nu qui se transforme lui-même en une oeuvre d'art dans les courants d'avant-garde du deuxième après-guerre avec la performance, le body art et le théâtre expérimental. Tels sont les filons que la narration, extrêmement bien documentée au niveau historique, mais présentant un style descriptif et exempt de toute lourdeur académique, suit sur la base d'un riche appareil iconographique. La conclusion repose sur la conviction que la beauté du nu est toujours une tension vers la perfection idéale, passant toutefois par le désir des sens.

Cette grande anthologie d'art moderne et contemporain, unique en son genre par son caractère exhaustif et par sa qualité, traverse plus d'un siècle de peinture et de sculpture, de design et d'architecture, de photographie et de livres d'artistes. Elle est strictement agencée dans un ordre chronologique, afin d'offrir au lecteur une perspective qui lui permette de visualiser les ?uvres en comparant différentes sensibilités et intuitions de la même année, mais aussi au fil du temps. Ainsi, il est possible de parcourir le processus d'expérimentation constant propre à l'expression artistique, mais aussi d'observer la variété des manières avec lesquelles l'art a affronté notre époque, sous forme de récit, de commentaire, de protestation, ou encore en proposant une vision alternative ou de nouvelles valeurs. Un profil de l'art moderne et contemporain à la lumière de la collection la plus prestigieuse et célèbre du monde, celle du Museum of Modern Art de New York. Le long de ce parcours représenté par 200 artistes et plus de 240 ?uvres, nous rencontrons des peintres comme Klimt, Schiele, Cézanne, Matisse, Picasso, Klee, Kahlo, Rauschenberg, Oldenburg, Lichtenstein, Warhol, Rothko, Hopper, des sculpteurs comme Rodin, Boccioni, Brancusi, Giacometti, des photographes comme Adams, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Lange, des architectes et des designers comme Otto Wagner, Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Kahn, Castiglioni, Aalto, Venturi. Les reproductions de haute qualité sont rigoureusement commentées par les responsables des sections thématiques concernées du MoMA.